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Quitarse el colonialismo cultural: entrevista a Rafael Ortega

por Iris Linnet

México es el país de mayor expulsión de migrantes en el mundo. Esto hace evidente la necesidad de hablar de migración en un país donde no sólo se expulsa, también se reciben miles de inmigrantes al año, quienes no tienen como destino final este lugar, sin embargo se han vuelto parte del paisaje. En esta ocasión tuvimos la oportunidad de platicar con Rafael Ortega, coordinador del proyecto Forasteros: de migrantes, refugiados y exiliados, una exposición que alumbra un camino de peligros y tensiones a lo largo de las fronteras.

Iris Linnet: Me pareció muy interesante el formato de la exposición, el problema se expone desde testimonios y desde datos que impactan de inmediato, impactan porque no estamos acostumbrados a hablar de migración aun cuando es parte de nuestra realidad, y saltan de inmediato estas palabras: refugiado, exiliado y migrante, ¿cuál es la diferencia entre ellas?

Rafael Ortega: El principio del proyecto fue: vamos a hablar sobre el tema de la migración y de lo primero que nos dimos cuenta es que existía dentro de nosotros, al interior de la propuesta, pues un desconocimiento muy grande del tema, cuando hay gente que se ha dedicado a él durante muchos años, y creo que una de las cosas más interesantes con las que nos topamos es que existe una definición distinta que habla de un fenómeno, digamos mundial, y había que encontrar una manera de definir ciertas condiciones que pudieran aplicarse en términos de derecho en todos los países del mundo. Entonces eso es lo que nos pareció como más interesante. Y por otro lado está el carácter idiosincrático y de identidad que implican algunos términos, como la palabra forastero, la palabra forastero no es una palabra en español que defina una categoría jurídica o una situación jurídica de una persona, es la manera de referirse a alguien, de hecho es una palabra que ni siquiera es de origen catalán, pero me parece interesante que utilizar estos términos es como ampliar el vocabulario, cuando uno amplía el vocabulario uno aprende mejor a hablar una lengua y entonces en este caso fue como ampliar nuestro vocabulario sobre los términos que se refieren a los desplazados y a la movilidad humana.

Rescate del buque bergamini de la marina militar italiana - Exposicion Museo Amparo
Rescate del buque bergamini de la marina militar italiana – Exposicion Museo Amparo

IL: Mucho se habla de la mirada de Estados Unidos hacia los migrantes, pero ¿cuál es la mirada de México hacia los migrantes?

RO: México es un país profundamente racista, México es un país eminentemente racista para los connacionales, evidentemente lo va a ser para los migrantes. Yo creo que es una condición, esa parte de la idiosincrasia mexicana, los mexicanos vistos entre iguales. Cuando tú estás entre iguales no tienes punto de comparación, cuando aparece alguien que no es igual a ti lo primero que se produce es una situación espejo, es decir, que tú ves al otro diferente, pero en realidad el otro no es diferente, el otro tiene una manera de responder culturalmente a las situaciones distinta a la tuya, no es ni mejor ni es peor, sencillamente lo que Leticia Calderón decía en la conferencia, es que te espejea inmediatamente, si tú tienes un grado mínimo de sensibilidad y de inteligencia te darás cuenta de estás viendo las cosas de la manera incorrecta.

IL: ¿Cómo podemos eliminar el prejuicio racial en torno a los migrantes?

RO: Yo creo que el problema es mucho más profundo y tiene que ver con estructuras de colonialismo, o sea que es un problema estructural. Entonces creo que evidentemente la manera en la que vemos el problema de la migración tiene que ver con una especie de colonialismo cultural del cual tenemos que irnos quitando, ¿cómo? tratando de buscar términos que no se definan de la misma manera en la que comúnmente nos enseñaron a definirlo.

IL: ¿Por qué hablar de migración es relevante en estos momentos?

RO: porque yo creo que no vamos a una situación de más paz, vamos a una situación de más conflicto, creo que desgraciadamente el siglo XXI será un siglo de conflictos muy profundos, muy largos, y vamos por otro lado a una situación de crisis ambiental muy fuerte, donde hay una nueva clasificación que son los desplazados medioambientales, se estima que va haber de aquí al 2050, los números varían, entre 28 millones y 1 billón de personas; un tercio de la población de China que van a ser desplazados por problemas medioambientales, entonces yo creo que una de las únicas soluciones para poder ver y lidiar con estos problemas que se nos avecinan o con los cuales ya estamos viviendo, es con la empatía y a mí me gustaría pensar que tratar el tema de la migración hoy, es quizás como empezar a trabajar sobre un principio de empatía.

Saltando la reja frontera - Exposición Museo Amparo
Saltando la reja frontera – Exposición Museo Amparo

IL: ¿Como mexicanos ¿cómo podemos a empezar a trabajar la empatía hacia los migrantes?

RO: Una amiga de mi pareja dijo un día una frase interesante: las diferencias genéticas que existen entre una población son tan pequeñas que en realidad no habría porqué considerarse diferentes, es un problema, yo creo que hay que entender que en la diferencia está la ganancia, no la pérdida. Por eso creo que es tan importante la empatía, porque una vez que uno reconoce que el otro es diferente uno aprende mucho más, culturalmente, biológicamente, culinariamente, visualmente. Uno es más cuando asume al otro diferente como una suma posible y no como una resta de lo que uno es.

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El jazz, Monk y ser uno mismo: entrevista a Clarence Penn

El pasado viernes 13 de mayo se presentó Clarence Penn, como parte del ciclo New York Jazz All Stars, organizado por el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla y De Quinta Producciones. El afamado baterista presentó con su banda, Penn Station, el disco tributo a Thelonious Monk que elaboraron recientemente.

Tras el concierto pudimos conversar el Penn, esto fue lo que nos comentó.

José Luis Dávila: ¿Cómo te sientes respecto al show de esta noche, respecto a la audiencia mexicana?

Clarence Penn: La audiencia mexicana ha sido muy simpática, han sido muy entusiastas, cálidos, acogedores; parece que en verdad disfrutan la música y eso me hace muy feliz.

JLD: Sobre lo que nos presentaste esta noche, tengo esta pregunta, ¿por qué hacer un disco sobre Thelonious Monk?

CP: Porque Thelonious Monk no tenía miedo de ser distinto, así que eso es una forma muy global de ver las cosas. Yo creo que si más de nosotros no tuviéramos miedo de ser nosotros mismos entonces podríamos tener música más emocionante, probablemente más inventos. Yo creo que el mundo podría ser un lugar mejor si todos no trataran de encajar todo el tiempo en una categoría. Así que cuando yo miro a Thelonious Monk y pienso en él, cuando pienso en su música, él nunca tuvo miedo a ser distinto. Eso me dio el valor de tocar la batería como yo toco, yo toco un poco distinto que otros bateristas; me ha dado confianza.

Clarence Penn y José Luis Dávila - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Clarence Penn y José Luis Dávila – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: ¿Cómo crees que el jazz encaja en ese mundo que mencionas?

CP: Yo creo que encaja acercando a la gente. La música de jazz es en realidad todos los estilos de música envueltos en uno solo; por ejemplo, el pop es muy aparte, el rock, el r&b, son muy distantes, pero el jazz tiene un poco de cada elemento. Entonces, en mi opinión, sería genial si todo el mundo se pudiera mezclar y compartir las cosas, así es como creo que el jazz encaja en el mundo.

JLD: Es difícil estar en el mundo de jazz ahora, ¿qué piensas respecto a eso, respecto al mercado?

CP: El mercado en Europa y Asia es mucho mejor y la mayor parte del año vamos de tour en Europa y Asia; me encantaría ver que tiene más reconocimiento en los Estados Unidos. De hecho, me sorprendió mucho ver que tienen algo así en México. Estuvimos tocando en seis ciudades diferentes y hay tanta gente asistiendo que me da esperanza para que más gente aprenda sobre el jazz. Sólo espero que la gente salga y soporte al jazz, porque también es una forma de arte vivo. ¿Sabes?, cuando ves a una banda de rock o de pop sólo ves al vocalista porque es la estrella pero en el jazz a todos les toca ser la estrella porque ves como todas las partes se unen.

JLD: Eres un gran músico, has hecho esa gran reinvención de la música de Thelonious Monk, pero, así como tú con Monk, ¿crees que en 50 años a partir de ahora haya una reinvención de la música de Clarence Penn?

CP: Eso espero, sí, eso espero. Este disco es Monk, el próximo va a ser completamente original, pero sí, espero dejar algún legado.

JLD: Ahora que lo dices, estando involucrado en un festival llamado New York Jazz All Stars, ¿piensas en ti mismo como una estrella?

CP: ¿Si pienso ser una estrella? No, pienso en mí mismo como un estudiante, aún tratando de aprender a tocar la batería, a componer música y a presentar música. Creo que para mí, y para muchos otros, si te puedes mantener humilde entonces siempre puedes aprender. Si yo me viera como una estrella entonces dejaría de aprender y simplemente pensaría que soy lo más importante, pero cada noche trato de tocar mejor. Tengo una hija de nueve años y un hijo de seis y cocino muy bien, tal vez mejor de lo que toco la batería; mi hija una vez me dijo, hay un show de TV que sale, me dijo “eres bueno, pero aún no estás listo para la tv”. Me hizo sentir, me hirió un poco pero aun así me sentí feliz de que ella tenga una idea de lo que es bueno. Así que no, no me creo una estrella, creo que he tenido mucha suerte de tocar con los grandes artistas del Jazz que ya no están con nosotros como Betty Carter, Joe Williams, muchos otros, tengo suerte por ello y espero poder tocar con más gente

La poética de la ilustración: entrevista a Santiago Caruso

Este mes, Santiago Caruso (pintor argentino nacido en 1982)  estuvo de gira por México realizando exposiciones, charlas, realización de pintura en vivo y firmas de autógrafos en todas partes. Su último evento fue una firma de autógrafos en Gandhi el pasado 15 de marzo donde pudimos conversar con él. Aquí está la charla que realizó con Gilberto Blanco.

Gilberto Blanco: ¿Qué tal te ha ido en México? ¿Cómo te han tratado?

Santiago Caruso: Muy bien, la verdad es que muy bien. Soy yo el que me metí en un problema al hacer tantas cosas en poco tiempo. Sí, pero la verdad es que me han tratado muy bien.

GB: Ya te sentías cansado desde antes de venir, habías puesto en tu face.

SC: Sí, jeje, y era cierto.

GB: Cuéntanos, ¿cómo surgió tu pasión por la pintura y el dibujo?

SC: Tiene que ver con la gráfica, tiene que ver con las tiras cómicas, con las historietas; por eso me parece muy importante atender a esa forma expresiva para que el común de la gente tenga un acceso más cercano a la lectura y al hecho artístico. Una historieta no tiene por qué ser una cosa tonta. Así que sí, la conexión con la plástica tiene que ver con las lecturas. Con algunas historietas me formé como lector así y de allí salté a la lectura de libros. En mi casa no se leían muchos libros, o sea, sí me leían o yo tenía, pero mis viejos no leían nada. Fue un poco como una especie de accidente.

GB: Y de todos los libros que has ilustrado hasta ahora, ¿cuál es tu favorito?

SC: Mira, el de Los cantos de Maldoror me lo acabo yo de encontrar, no lo había visto; pero es un libro que terminé hace poco en un tiempo bastante breve para mi propia sorpresa y calculo que en algún momento lo voy a continuar porque me quedaron un montón de imágenes en el tintero y, bueno, ojalá merezca que se reimprima y se puedan hacer algunas imágenes más para esa reimpresión.

Santigo Caruso
Santigo Caruso

GB: Sí, claro. ¿entonces podemos decir que Lautréamont es tu favorito?

SC: Pues la verdad sí, jeje.

GB: ¿Por el tiempo qué tardaste en hacerlo o por qué?

SC: No, no, es por la temática, por lo que le permite a uno como intérprete de lo visual poder configurar en imágenes; hay todo un discurso bastante personal, pero que también se potencia, o sea, que obviamente está potenciado o está sostenido por una obra literaria que tenía. Así que sí, cuando uno está en relación con algo que ya es potente per se si uno se compromete, obviamente encuentra algunas cosas por decir y pasa algo distinto. Sí, te diría que Los cantos de Maldoror.

GB: Aprovechando que tienes El Rey de Amarillo en tus manos, hace tiempo en una entrevista habías dicho que ese era uno de tus grandes sueños, ilustrar este libro. ¿Cómo te sientes ahora que lo has logrado?

SC: (Risas) Es una buena pregunta. Todavía no lo termino en realidad porque ilustré para Zorro Rojo estos cuentos y algunos más, pero hay un editor norteamericano que quiere sacar un volumen sobre Chambers bastante más grande, así que voy a hacer algunas imágenes más para otros textos. Quizás no es el mismo choque que te produce entrar en el goce de Maldoror, en esa forma literaria; porque también yo añoraba hacer este libro (El rey de Amarillo) y lo había leído cuando era bastante más chico, y ahora por allí no tiene la misma densidad poética de lo que uno está acostumbrado a transitar, entonces está bien, tiene sus posibilidades y traté de aprovecharlas, pero es mucho más rico literariamente Los cantos de Maldoror.  Creo que pude darle al libro algunos momentos luminosos y más poéticos que por ahí el texto en sí no sé si tiene o no es tan claro, creo que está en eso, más que nada en el relato de “En el patio del dragón” que tiene la imagen que fue la portada.

GB: ¿Y cómo es que te acercaste a lo fantástico y a lo terrorífico?

SC: Más que nada con la lectura de Edgar Allan Poe, que es un tipo que sigo leyendo de vez en cuando porque siempre uno encuentra cosas nuevas en su mirada de la poesía y de lo humano; es un personaje extrañísimo Poe. También tiene ensayos, es un tipo como muy versátil. También ha abarcado demasiadas cosas por ahí más de lo que podía realmente manejar, pero en cuanto a la ficción, al cuento, me parece de lo más maravilloso que he leído.

GB: ¿Qué proyectos tienes en el futuro? ¿Qué tienes a la puerta ahora?

SC: Ahora estoy ilustrando una novela de Ramsey Campbell, un escritor norteamericano al que yo le había hecho una portada de una serie de cuentos de él. Y voy a hacer las ilustraciones de una edición de cuentos de Maupassant que yo mismo seleccioné, que a ver cuándo sale y cuándo lo puedo hacer, ojalá pronto porque es un escritor que yo quiero mucho, me gusta. También voy a hacer sobre cuentos de un escritor peruano que no conocía que se llama Clemente Palma, el libro se llama Cuentos Malévolos para una editorial de Perú; es un escritor modernista, bastante raro.

GB: ¿Conoces algo de literatura fantástica o de terror mexicana?

SC: Me estuvieron hablando de algunas cosas. He leído a Carlos Fuentes. No sé a quién más conozco de México. Bueno, a Carrington que es un bicho raro, ¿no? Estuve pintando sobre cuentos de ella el domingo.

GB: ¿A Amparo Dávila no la has leído?

SC: Me la recomendaron, pero no la he leído todavía.

GB: Recomendadísima

SC: Bueno, ya van dos que me la recomiendan, así que le voy a prestar atención.

GB: ¿Y qué otras obras te gustaría ilustrar?

SC: La tentación de San Antonio de Flaubert. Es un libro que me gusta mucho.

GB: ¿Alguna otra que tengas en mente?

SC: Ahora no se me ocurre, estoy muy cansado, jeje. Sí, pero ese es un libro que quiero hacer. Ah, bueno, y Las flores del mal, es una cosa buena.

Santigo Caruso - Fotografía de @andresrsgalindo
Santigo Caruso – Fotografía de @andresrsgalindo

GB: Esta misma noche, de hecho ya en un poco tiempo, te vas de regreso a Argentina. ¿Qué impresión te deja México?

SC: A mí México me encanta, más que nada me gusta su gente y me han recibido bien; la otra vez, pero fue hace un tiempo largo, y ahora ha sido mucho más calurosa la bienvenida y ha sido enfático. Y yo lo agradezco siempre, porque es gratificante para uno salir de casa y encontrarse con la respuesta de la obra, y acá son muy efusivos. Yo lo agradezco muchísimo.

GB: ¿Haz ilustrado cuentos infantiles?

SC: Sí, más que nada hace tiempo. Hace unos añitos hice unas imágenes para un libro de brujas, pero para pre-adolescentes.

GB: ¿Y no tienes en estos momentos deseos o no te ha llamado la atención regresar a lo infantil?

SC: Sí, es más, ahora hay una posibilidad que acaba de surgir de ilustrar un clásico, pero no voy a decir mucho, igual no es ninguna cosa. Pero sí tengo muchas ganas de meterme con algún clásico infantil, a ver de qué manera se le puede interpretar a mi forma.

GB: ¿Y de dónde inspiras tus ideas? ¿De dónde surge la inspiración para tus obras?

SC: No sé, o sea, están mezcladas con lo literario, digo siempre, o la filosofía. Siempre están en esa relación de pensar algo sobre lo humano, quizás a veces en clave fantástica; o sea, aparecen imágenes rarísimas, pero aún en esas absolutamente extrañas como, no sé, La Profetiza Interior que es como una especie de sadhu de la India que en esa meditación y en ese aquietarse se reseca y se rompe como una especie de crisálida y surge de él toda una figura, como una especie de divinidad en forma de insecto-humano. Pero estoy hablando de unas cosas que uno quiere que cambien a partir de la transformación; en clave fantástica igual está dicho. Así que me parece que siempre tanto la ficción como la poesía proponen imágenes, proponen caminos y siempre mis trabajos están relacionados a lo literario.

GB: ¿Y qué otras actividades te gusta realizar aparte de esto que haces?

SC: Hago música también. En mi casa toco canciones que me gustan, y bueno, estos eventos de pintura en vivo están interesantes también, donde se sale allí a improvisar una imagen y componer algo sin tener mucha noción más que del texto. Pero bueno, la música también te va llevando y pues improvisas.

GB: ¿Algún género en especial?

SC: No. No sé, escucho de todo, desde clásicos de flamenco, folk, rock clásico, y de a poco me voy acercando a lo contemporáneo un poco, soy medio viejo en ese sentido. Bandas como Morphine o alguna banda de los 90’s que cuando yo era pibe no les di bola y que ahora disfruto mucho.

GB: ¿Hay algún artista que admires en particular o con el que sientas que tu obra se puede identificar?

SC: Quizás ahora con la obra de Odd Nerdrum, pintor noruego muy muy interesante, y alguno de otra época, puede ser Odilon Redon que transita algunos caminos que me gustaría recorrer: una imagen más simple y al mismo tiempo más misteriosa, más abierta. Así que esos te diría.

GB: ¿Y cómo defines tu arte?

SC: Yo creo que el equivalente en lo literario sería un, como que hago una especie de prosa poética porque tiene una cosa concreta que sucede y que tiene que ver con lo narrativo, con lo descriptivo, pero después hay algo que también se manifiesta allí y que viene de otro lugar, es otra cosa. No sé, para mí tiene una relación con el simbolismo, pero está re-elaborado desde esta época entonces tiene otros paradigmas también. Se comparten cosas pero hay otros elementos que la renuevan.

GB: Bueno, hace tiempo, no sé muy bien cuánto, ilustraste también para Zorro Rojo algunas obras de Lovecraft. Hoy es su aniversario luctuoso y, me llegan informes desde el más allá que él lee Cinco Centros desde el inframundo. Para despedirnos, ¿Hay algo que le quieras decir en su aniversario luctuoso?

SC: (risas). Sí, que mande algún mensaje, que se cuente algo. Que mande alguna señal, si es que hay otro lado.

Seguir siendo un estudiante: entrevista a Kendrick Scott

El pasado 27 de noviembre, a través de De Quinta Producciones y el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECAP), se presentó en la ciudad la banda Kendrick Scott Oracle, una de las bandas que agrupan a varios de os grandes jazzistas de New York como Taylor Eigsti, Joe Sanders, John Ellis y Mike Moreno; al final de su presentación tuvimos la oportunidad de conversar con el líder de la banda, Kendrick Scott, y esto fue lo que nos dijo.

José Luis Dávila: ¿Cómo te sentiste respecto al show de esta noche?

Kendrick Scott: El show de hoy fue muy emocional, es bueno estar de vuelta en Puebla y vivir el gran sentimiento que da esta ciudad

JLD: ¿Cómo te sientes respecto a los músicos que tocan contigo?

KS: Para mi es afortunado que hayamos estado aquí juntos en Día de acción de gracias porque, como dije, en verdad agradezco estar con esos chicos, cada uno de ellos tiene un lugar muy especial en mi vida, hemos tocado juntos muchas veces y el hecho de que estén acá conmigo compartiendo este momento es muy precioso, muy afortunado.

Kendrick Scott y José Luis Dávila - Fotografía por Isaías Tovar
Kendrick Scott y José Luis Dávila – Fotografía por Isaías Tovar

JLD: Respecto a tu nuevo álbum, We are the drum, me puedes hablar del proceso de grabarlo.

KS: El proceso de grabado es el mismo que el de los instrumentos mismos: tiene muchos puntos de partida que vienen de cada miembro de la banda contribuyendo a la música y también escribimos toda la música en el estudio, juntos. Así que fue un gran festival de amor (ríe); todos los chicos contribuyendo con su música y no sólo con sus ideas en general, sino con sus ideas en la composición también.

JLD: Por último, tú eres parte del ciclo de conciertos New York All Stars, pero, ¿te sientes como una estrella?

KS: (Ríe) Bueno, yo diría que con el amor que recibo de Puebla sí me siento como una estrella, pero he sido un estudiante durante toda mi vida y mi meta es seguirlo siendo, así que me siento halagado de estar aquí con músicos tan grandes.

Las dificultades de la gráfica: Entrevista a Iván Michel de Proyecto 30/30

Iván Michel y Gerson Tovar - Fotografía por Ricardo Torres
Iván Michel y Gerson Tovar – Fotografía por Ricardo Torres

En la actualidad, el arte está en busca de espacios que permitan a ideas jóvenes y comprometidas una ventana para ser vistas, y con ese objetivo es que el Colectivo Ave ha integrado a su taller una exposición con el trabajo gráfico de un proyecto que se gesta desde hace tiempo en Oaxaca, y que ahora visita Puebla: el Colectivo 30/30.

En la inauguración pudimos platicar con uno de los integrantes de dicho proyecto.

Gerson Tovar: ¿Qué es Proyecto 30/30?

Iván Michel: Proyecto 30/30 es un lugar en el cual nos reunimos un grupo de personas para integrar las propuestas que veníamos desarrollando cada uno de manera independiente a las afueras de la ciudad. Para nosotros era difícil mover nuestro trabajo porque necesitábamos tener presencia en el centro histórico, entonces al momento de tener un espacio empezamos a trabajar, a desarrollar nuestras propias propuestas y a involucrarnos con otros espacios, con otros colectivos y, como lo dije hace un momento, cada uno de nosotros ya tenía una trayectoria recorrida. Proyecto 30/30 nace por esa necesidad de tener un espacio y de abrir también las puertas a nuevos jóvenes, a nuevos valores y, bueno, a veces la ausencia de una prensa es lo que hace que limiten los creadores su trabajo, entonces nosotros, con esa prensa, abrimos el espacio a personas que recién vienen egresando de las universidades para que continúen su producción.

GT: ¿Qué dificultades han tenido para poder encontrar un lugar donde presentar su arte?

IM: Mira, en Oaxaca es muy difícil porque el arte está monopolizado, uno de los primeros bloqueos o choques que tenemos es la apertura de espacios; si alguien quiere exhibir tiene que pagar o tener una relación con el galero, o ser compadre de alguno de sus amigos para tener apertura y, nosotros, el primer tope que tenemos son las cuestiones económicas, como cualquier taller: tener que pagar una renta, porque en Oaxaca las rentas en el centro histórico son carísimas, entonces ese fue el primer tope, las cuestiones financieras y económicas. Posteriormente, el abrir espacios.

GT: ¿Qué esperan del público aquí en Puebla, qué pronósticos tienen al traer este proyecto?

IM: Este proyecto lo empezamos los compañeros ya hace algunos meses, de hecho la semana pasada fue su apertura en la galería que tenemos en el colectivo. Nosotros, en este intercambio gráfico que estamos desarrollando, queremos dar a conocer nuestro trabajo, que otros talleres más se interesen y empezar a abrir esos vínculos. Quizás no tanto como empezar a hacer una presencia de “¡ah, llegaron los de Oaxaca!”, sino interactuar y conocer su trabajo pero al mismo tiempo que conozcan lo que estamos trabajando nosotros como proyecto.

GT: Ya para finalizar, ¿qué es lo que viene para proyecto 30/30, sus proyectos futuros, qué es lo que tienen entre manos?

IM: Tenemos participación para la feria de Aguascalientes, a finales de este mes; tenemos unas carpetas para Centroamérica, hicimos unas donaciones para la Universidad de Cali, en Colombia; tenemos participación en dos exposiciones en puerta: inauguramos la nuestra el 30 de noviembre, tenemos el 24 en una galería que se llama Espacio Siqueiros y, por último, tenemos la publicación del libro en Argentina, eso es lo que tenemos ya en puerta.

Hay Festival 2015 en Ciudad de México inicia esta semana

Rueda de prensa del Hay Festival
Rueda de prensa del Hay Festival

Del 23 al 25 de este mes se llevará a cabo, en la Ciudad de México, el  Hay Festival, el cual es  se define por la difusión de la cultura y el compromiso social que tiene para con las expresiones desde literarias, visuales, musicales, así como con aspectos de geopolítica, periodismo y ciencia que se mezclan en un ambiente de diálogo y celebración. Al respecto, Gilberto Blanco pudo entrevistar a dos de sus organizadores, Anel Pérez, quien es secretaria técnica de vinculación de difusión cultural de la UNAM, y Juan Paullier, corresponsal de la BBC para México y Centroamérica. Aquí les dejamos lo que le dijeron.

Gilberto Blanco: ¿Qué tan importante es para la UNAM colaborar en eventos de este tipo?

Anel Pérez: Es fundamental vincularnos, muchas veces contamos con los menos recursos que se tiene en función a otras áreas de formulación de eventos, entonces para la UNAM es fundamental poder vincularse con festivales que como este tienen una enorme trayectoria, tienen un enorme camino recorrido y gracias al cual nos podemos sumar para tener la presencia de extraordinarios escritores, periodistas, músicos y demás que de otra manera no podríamos. Entonces, financieramente nos es importante pero por supuesto también en las líneas temáticas que abre el Hay Festival y para darle una oportunidad a los estudiantes universitarios una programación abierta para ellos, una invitación exprofeso para ellos.

GB: ¿Cómo surge esta alianza con Hay Festival?

AP: Con una aproximación directamente de Cristina, la directora del Festival, con la doctora María Teresa Uriarte que es la coordinadora de difusión cultural de la UNAM.

GB: ¿Hay planeaciones para futuro, más alianzas con el Festival?

AP: Sí, sí. Mira, la verdad es que siempre hemos participado pero habíamos participado por parte de algunos académicos, como ahorita la doctora Ostrosky que participa en la parte de ciencia, pero es la primera vez que lo hacemos de forma institucional y una vez que hacemos este vínculo pues seguramente podremos permanecer en ese vínculo porque es un gana-gana, nos conviene a todos.

Rueda de prensa del Hay Festival
Rueda de prensa del Hay Festival

Gilberto Blanco: ¿Cuál es la importancia para la BBC de participar en eventos de este tipo?

Juan Paullier: Para la BBC como servicio público británico que es, obviamente tenemos un interés muy especial en participar en todo lo que sean eventos literarios inclusivos abiertos al público, la importancia de que aquí no se cobre por una entrada, la importancia de que se pueda generar esa cercanía con mentes brillantes, con intelectuales, con artistas, con los científicos. Y nuestra parte, que nosotros la vemos como crucial, porque vamos a permitir ese acercamiento que no sólo se de entre la gente que pueda estar físicamente esos días en Ciudad de México, que por motivos obvios se le va a hacer muy difícil a mucha gente, sino que de cualquier parte del mundo la gente se va a poder conectar a nuestro sitio web, conectarse con nuestras redes sociales, y van a poder ellos mismos estar participando, dialogando con muchos de los intelectuales, artistas que van a estar aquí presentes. Para nosotros ese aporte que podemos hacer es fundamental y nos ilusiona mucho que nuestro granito de arena en el Hay Festival sea abrir el festival al mundo.

GB: ¿Cómo surge esta alianza con Hay Festival?

JP: Eso para serte sincero no lo tengo claro porque eso se ha gestionado todo el tiempo desde la oficina de Londres y yo vivo aquí en México, ¿cómo se gestionó la alianza? desde el lado de BBC Mundo te lo podrían responder, pero yo por estar aquí me he mantenido al margen, yo empecé a vincularme con el festival a partir de hace unas pocas semanas. Perdón, pero eso no te lo podría responder mejor.

GB: ¿Cómo beneficia la BBC para la difusión de este evento?

JP: Bueno, evidentemente la BBC es una de las marcas, de medios de comunicación globales más conocidas en el mundo entonces creo que tanto Hay Festival como BBC mundo nos vamos a estar beneficiando mutuamente y potenciando la difusión de este festival y de los distintos eventos que en definitiva es lo que todos queremos, que a cuanta más gente le llegue esa riqueza de ideas, de contenido, de voces que vamos a tener aquí en Ciudad de México va a ser más beneficioso para todos. Por eso, como te decía, la importancia de abrir el festival al mundo y que no sean solo los que puedan estar presentes aquí en Ciudad de México los que se terminen beneficiando de lo que va a ser sin duda un festival muy muy interesante.

GB: Entonces, ¿la BBC ayudará a los que no puedan asistir a la ciudad para que puedan participar en dicho evento?

JP: Por supuesto, esa es la idea, aquí vamos a estar transmitiendo algunas de las charlas en streaming y vamos a estar acercando a algunos de los personajes del festival con nuestra audiencia y con nueva audiencia también, con gente que se decida a conectar, que decida saber en ese momento qué está pasando en el Hay Festival, entonces BBC mundo va a poder darle esa oportunidad a la gente. Por eso es algo que nos ilusiona mucho porque es en definitiva hacer que este festival sea todavía más plural de lo que ya es.

Sobrevivir el círculo: Entrevista a Cyrus Chestnut

El tercer concierto del New York Jazz All Stars fue engalanado con la presencia del maestro Cyrus Chestnut, a quien pudimos entrevistar brevemente antes de su presentación en el Auditorio de la Reforma

Cyrus Chestnut - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Cyrus Chestnut – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

José Luis Dávila: Quiero comenzar por preguntarte ¿Cómo te sientes respecto al concierto que vas a dar esta noche?

Cyrus Chestnut: Me siento muy emocionado de tener la oportunidad de tocar en un lugar donde nunca antes he tocado. Me emociona conocer fans y estoy esperando que, con suerte, tengamos una hermosa velada.

JLD: ¿Sabes algo respecto a los mexicanos, te han contado como reciben este tipo de música?

CC: No en realidad; he leído libros de historia, pero prefiero averiguar por mí mismo, ver con mis propios ojos, escuchar con mis oídos.

JLD: Quiero preguntarte algo distinto; en el mundo del jazz eres una estrella, pero ¿tú te consideras una estrella? Porque para nosotros lo eres.

CC: No, yo no pienso en eso, yo simplemente estoy agradecido de poder tocar música para los demás. Si empiezo a considerarme como una estrella me pongo en riesgo de que mi ego se haga muy grande y un ego muy grande es muy peligroso.

JLD: ¿Conoces a algún músico que tenga un ego muy grande?

CC: Supongo que todos lo tienen, pero mejor me guardo esos comentarios.

Cyrus Chestnut y José Luis Dávila - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Cyrus Chestnut y José Luis Dávila – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: He leído sobre tu carrera y quiero preguntarte: es diferente tocar en un estudio y tocar en una sala de concierto, ¿ tus experiencias han cambiado?

CC: ¿Si mis experiencias han cambiado? Yo espero que vaya cambiando, nunca debe ser igual, la vida nunca es igual. Así que espero que cada experiencia vaya siendo diferente porque la audiencia va cambiando

JLD: ¿Consideras que has cambiado para mejorar?

CC: ¡Eso espero! (ríe)

JLD: Hay algunos músicos que no.

CC: Bueno, no puedo hablar por otros. Espero que todas mis experiencias me ayuden a mejorar, las buenas, las malas, y las que están en medio.

JLD: Una pregunta más; el jazz es una música muy popular en varios sectores, pero no en todos. ¿Qué piensas respecto a eso?

CC: Yo pienso que hubo un tiempo en el que el jazz fue muy muy muy popular y creo que las cosas funcionan en círculos. Así que pienso que lo que debe de suceder es que  espero tener la oportunidad de sobrevivir el círculo. Aún así, tengo que tocar de la mejor forma cuando es muy popular y tengo que tocar de la mejor forma cuando no es popular. Porque la música es para las personas y tienes que siempre dar lo mejor. Espero que cambie y se vuelva más y más popular. Mientras tanto voy a disfrutar donde estoy, pero me emociona más hacia dónde me dirijo.

Da inicio el New York Jazz All Stars con The Rodríguez Brothers Quintet

El jazz es sentido en progresión,  sensaciones que raptan la atención sobre las notas que se expanden desde el corazón de los músicos hasta el oído del público. El viernes pasado, en el Auditorio de la Reforma, el jazz se hizo presente en el primer concierto del ciclo New York Jazz All Stars, a cargo de The Rodríguez Brothers Quintet, conformado por el pianista/compositor Robert Rodríguez, el trompetista/compositor Michael Rodríguez, Zach Brown (bajo), Ludwig Afonso (batería) y Samuel Torres (percusiones), quienes deleitaron a los asistentes con la energía de su latin jazz.

Tras el concierto pudimos hacer una entrevista a estos maravillosos músicos, y aquí se las presentamos.

La película decantó sola: entrevista a Juan Martín Hsu

La Salada - Póster
La Salada – Póster

Este fin de semana se llevó a cabo el Festilval Ternium de Cine Latinoamericano en el auditorio del Museo Amparo. En este festival se presentó La Salada, una película argentina que explora las relaciones que se forjan en las fronteras interpersonales teniendo esta famosa feria como escenario. Tuvimos la oportunidad de hablar con el director del film, Juan Martín Hsu, y esto fue lo que nos dijo.

José Luis Dávila: Quisiera empezar preguntándote, ¿qué tanto hay de ti en los personajes?

Juan Martín Hsu: Hay bastante; por lo menos en todos los personajes hay algo de mí. Ideas, pensamientos o emociones que van teniendo, algunas situaciones o me pasaron a mí o a alguien cercano. En general, la sensación emocional de soledad y desarraigo es algo que me cruza; por mi familia, por ejemplo, mi madre vive en Taiwan hace muchos años y estar distanciados tanto tiempo. Son muchos puntos que me conectan a los personajes.

La Salada - Fotograma
La Salada – Fotograma

JLD: Siempre se habla de lo difícil que es hacer cine independiente, pero ¿qué tan divertido fue hacer la película?

JMH: Lo más divertido fue el proceso de guión, personalmente, y en el montaje, pero al momento del rodaje sufrí mucho. Pero hubo buenos momentos, momentitos contados que me pasé bien, porque al tener tan poco dinero y tantos problemas era estar lo mejor posible ante todos los inconvenientes que íbamos teniendo, y era todos los días preguntarme si esto iba a funcionar porque era todo tan caótico. Me costó mucho el rodaje, pero toda la parte de la postproducción fue la que más disfruté.

JLD: Pasaron siete años desde que inició la idea hasta ahora verla ya siendo presentada, ¿qué cambió en esos siete años sobre tu mirada ante la cinta?

JMH: Veo una y otra vez la película y me sigue cambiando, no pienso lo mismo desde la primera proyección hasta esta última de ahora. Cada vez va cambiando y va tomando una diferente mirada. La película decantó sola, la película misma tiene una vida propia para mí, iba creciendo sola y se iba armando, lo único que podía decir era “esto no, esto no, no funciona”, no sabía muy bien qué era el “sí” pero sabía qué “no”. Íbamos corriendo todo el quilombo que tenía y de a poco fue decantando a la película. Hoy en día tengo las críticas personales y me hacen pensar para lo próximo que haga o repensar “por qué hicimos así, por qué está así, por qué habíamos hecho esto”.

La Salada - Fotograma
La Salada – Fotograma

JLD: Se suele preguntar sobre cómo se elije a los actores, pero ¿cómo fue la elección de tu equipo técnico de trabajo?

JMH: Casi todo el equipo de trabajo son amigos míos, o sea que eran todos operaprimistas, desde el director de fotografía, el sonidista, el director de arte; todos excepto el productor ejecutivo. Entonces, este era un miedo que tenía el productor de que no funcionara por haber tantos operamprimistas trabajando en la misma película, pero bueno, para mí eso resultó en algo positivo de la película, que sea de alguna manera más fresca, no tan rígida, nos íbamos adaptando a las situaciones. Muchas de las escenas son filmadas sin luz más de lo que había en la calle o en un bar. Como las escenas en el boliche, lo filmamos en esa parte porque ahí había luz. Esta adaptación creo que con un equipo experimentado no hubiera funcionado, no hubieran aceptado hacerlo.

JLD: Ya que hablas de eso, ¿qué fue lo más ingenioso que tuvieron que hacer en el rodaje?

JMH: Todo lo que es el boliche, cuando van a bailar los chicos, era un boliche al que nos metimos con la cámara dentro de la mochila escondida. Era todo oscuro y había sólo un huequito en que había una luz azul, y dijimos “bueno, ché, está buena la luz azul, es el único lugar donde hay luz así que filmamos acá como podamos”. De esa manera filmamos muchas escenas. En otras había que buscar un lugar pues se había caído la locación porque pasaba que la feria era tan inestable que había que re-acondicionar todo y nos adaptábamos a los problemas.

La Salada - Fotograma
La Salada – Fotograma

JLD: Finalmente, ¿qué sigue para ti? ¿Hay algún proyecto que tengas preparado?

JMH: Terminé de filmar un corto, todavía está en postproducción. En este corto trabaja el mismo equipo de gente. Es acerca de un supermercado chino que está en Buenos Aires, y durante el 2001 que hubo muchos saqueos, en el que se atrincheran por una semana. Hacer el corto fue una manera de probar algunas cosas que nos quedamos con ganas en la película, pudimos mejorar algunas cosas y volvernos a equivocar en otras. Y ahora estoy empezando a escribir una segunda película pero de a poquito, en verdad no hay historia ni nada, solo una nebulosa.

Crear desde la experiencia: entrevista a Joshua Sánchez

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

Joshua Sánchez, actor y dramaturgo, protagoniza Navegando en el Honey Bunny, una pieza teatral que se presenta todos los sábados en Espacio 1900, a las 19:30 horas. Tuvimos la oportunidad de entrevistarlo y esto nos dijo. 

José Luis Dávila: La primera pregunta que cualquiera podría tener es ¿de dónde sale el Honey Bunny?

Joshua Sánchez: Es un poco explorar mi locura; casi todo lo que hablo en la obra es real, con algunos tintes fantásticos, pero sí, darme cuenta que de pronto empecé a llegar al límite de todo, o sea de tanto que me hizo daño físicamente, emocionalmente, entonces quiero transmitirle a la gente que incluso en lo más hondo y lo más oscuro que podamos estar siempre hay que valorar lo que tenemos porque después puede ser muy tarde. Sí es como querer darle algo a la gente a través de mi experiencia.

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: ¿Cómo es escribirla y aparte actuarla?

JS: Fueron varios procesos; primero escribirla fue un poco catártico porque la leía y pensaba  “¿apoco en serio me paso esto?” Como que es como muy exagerado llegar a un centro de salud mental por un desamor, me sonaba ridículo, incluso cuando lo leía; luego dije “bueno seguramente si a mí me pasó le pasa a todo el mundo”. Bueno, eso fue al escribirla, y al montarla cada función es como un poco de terapia para mí también, ¿sabes?, decir: “sí lo viví, lo estoy diciendo y haciéndome consciente de las cosas, que ahora lo que puedo hacer ya no azotarme tanto”. Por así decirlo, cada función es sacarlo, sacarlo, un poco terapéutico y si le puedes llegar a alguien, pues mejor.

JLD: En ese llegarle a alguien, ¿cómo has visto la aceptación del público con la obra?

JS: Fíjate que a mí me causó un poco de temor al principio porque decía “bueno, son problemas como muy específicos”, digo, a lo mejor sí muchos sufrimos por amor o sufre todo mundo por amor pero no todos llegan a un punto de un centro de salud; o en la cuestión del trabajo, creo que mucha gente no ama lo que está haciendo, es nada más perseguir el dinero –que es muy valido–; pero sí tenía miedo de pensar “a lo mejor todos van a decir que ‘¡ah!, es la vida de él y ya’”, pero curiosamente en los comentarios ponen “me vi reflejado” o “te pareces tanto a mí”, cosas así. Entonces, sí es bonito que parte de mi experiencia lo tome la gente para sus propios problemas, que sabrá Dios cuáles sean, pero salen a veces conmovidos. Mucha gente se acerca y me da las gracias; un comentario de una señora fue “de pronto no me doy cuenta de las cosas que tengo, y gracias por recordarme…bla bla bla”. Me ha gustado mucho la reacción, que a pesar de ser problemas específicos míos se pueda trasmitir hacia los problemas o situaciones de los demás.

Joshua Sánchez - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Joshua Sánchez – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: En tu carrera como actor ¿crees que haber actuado algo escrito por ti sea diferente a actuar la obra de alguien más?

JS: Sí es muy diferente. Ahorita como Pasajeros de Caronte la idea es crear nuestros propios textos, pero sí, es muy diferente porque cuando es algo que ya está escrito pues tienes que meterte, ¿no?, saber los antecedentes, además, el director también tiene algo muy específico de “es así, la psicología del personaje es así,  y es analizarlo y llegarle”. En este caso, a pesar de que es como mi vida, también el director dice “sí es tu vida pero también hay que crear cierto personaje para tener la empatía con el público, si no los vas a aburrir; nada más van a decir, pues mejor voy a un café y que un cuate me cuente su vida”. Pero, bueno, no fue tan difícil crear el personaje porque finalmente parte de mí.

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: De ustedes, como compañía, ¿cómo ha sido su evolución?

JS: Pues esta es la primera obra que tenemos como Pasajeros de Caronte; ya tenemos varios trabajos atrás pero era en un grupo que se llamaba Kiosco Teatro, en el cual también eran textos nuestros, pero bueno por cuestiones políticas, de amistad, de intereses, decidimos separarnos pero creo que todo lo que vivimos como Kiosco nos ha ayudado para que ahora salga este tipo de resultado que queremos que sea  como este tipo de teatro que se llama documental –no es tan documental pero se le llama así porque parte de la historia del dramaturgo–, y queremos estar innovando, aunque esto no es el hilo negro tampoco, pero sí acercar al público a teatro contemporáneo, a teatro íntimo, y buscando también la comercialización. Entonces ha sido un proceso muy difícil porque traer a la gente al teatro es difícil pero ha sido muy enriquecedor todo, desde llegar a poner el escenario, buscar publicistas, buscar entrevistas; esto es muy laborioso pero es muy satisfactorio al final el aplauso del público, digo parece un cliché que todo mundo lo dice pero de verdad es bien bonito cuando ves la gente que te sonríe, que te aplaude, porque estando aquí al frente sí sientes los aplausos cuando lo hacen sinceramente o cuando lo hacen de  “ah, bueno pues ya acabó, ya vámonos”. ¡Que también hemos tenido funciones!, digo, en teatro siempre hay funciones buenas, funciones mejores, funciones no tan afortunadas y también nos ha pasado ya, de hecho la semana pasada nos pasó: estaba lloviendo a la hora de la función, bueno antes, y llegaron así tres personas empapadas y dimos a la función con las personas que estaban así como de “¿qué está pasando, me río, no me río, no sé qué?”, y al final fue “ay, estuvo bonito pero ya vámonos”. Los comentarios fueron bonitos pero sí como que “¡uy!”. Es parte del teatro también esto.

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: Como Pasajeros de Caronte, ¿cuáles son sus proyectos a futuro

JS: Ahorita tenemos unas reuniones con gente de teatro que estamos teniendo los jueves en el café Expresso, que está enfrente aquí de Espacio; es invitar a alguna personalidad del teatro poblano, un maestro, un actor, que nos guste su trabajo, invitarlo a platicar, que nos cuente su experiencia, si es un dramaturgo que nos lea un fragmento de alguna de sus obras y eso es gratuito; lo que queremos con esto es acercarnos a los demás grupos, que todos los grupos sepamos quienes somos, porque, yo creo que en todos los ambientes, pero en este en particular hay de pronto mucho ego o mucha envidia, se dice “yo no trabajo con tal director porque bla bla bla, y no vayas a la obra de tal porque no sé qué”. Lo que nosotros queremos es como tratar de unirlos, es algo muy guajiro decir “todos como hermanos”, pero sí al menos conocernos, saber qué están haciendo, ir a verlos, invitarlos a que vengan a ver nuestro trabajo. Eso por un lado, y estamos trabajando en otras obras, una que se llama La delgada línea rosa, que es otro rollo, una comedia más ligera y, bueno, lo que se acumule.

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: Al respecto, como actor, ¿cómo sientes el ámbito teatral en Puebla?

JS: Ha crecido mucho, hay mucho movimiento teatral; está la escuela de la BUAP, aquí Espacio, está la UDLA, ya hay varias opciones. Lo difícil es encontrar un espacio donde presentarte, porque hay muy pocos: está aquí, Espacio 1900, el Teatro Principal, el Teatro de la Ciudad, que es carísimo rentarlos, y había espacios alternativos que se han ido cerrando. Está, por ejemplo, El breve espacio, que es uno, pero funciona nada más para cierto tipo de teatro, por ejemplo el teatro cabaret, pero un teatro más íntimo es difícil presentarlo porque ya se escucha la licuadora de las margaritas o el mesero pasando. Teatros, teatros, foros como tal, hay muy pocos, entonces es muy, muy difícil, y de por sí la gente no los conoce, entre menos haya, peor. Y a veces la difusión es bien difícil, porque desgraciadamente es una verdad, no sabemos vender nuestro trabajo los actores, cada quien está enfocado en lo suyo y lo que más tenemos es lo más cercano, póster, tarjetas y ya; pero es difícil contactarnos con personas para, no sé, periódico, bla, bla, bla. Es difícil pero hay mucho talento. También mucho ego, en todos lados hay mucho ego, pero creo que últimamente como hay mucho movimiento y tan poco público que no nos ha quedado de otra que estarnos rolando público, y el mismo público lo hace.

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: Para finalizar, dos preguntas: ¿cómo fue diseñar el escenario, por ejemplo, las hojas que tienen de fondo?, y ¿porqué se llama Honey Bunny?

JS: La primera; originalmente, como decimos en la obra, sí estaba planeado con ventiladores y el mar y la pantalla, fue cierto; sí nos detuvimos por el dinero pero no fue lo que dio el pie para cambiar de escenografía. En la postal hay una frase que me gustó mucho, “para qué escribe uno si no es para juntar sus pedazo”; cuando estábamos montando la obra dijimos “para qué tanto espectáculo si lo que queremos es que te escuchen, que se identifiquen y que vivan contigo, que naveguen contigo”. Es muy fácil apoyarte en esos elementos como es el atardecer en una pantalla, pero era también un reto que me puso el director como actor: “tú los vas a llevar, tú vas a crear la ficción”, y, bueno, lo de las hojas se fue dando poco a poco, como “los pensamientos atrás, y si hay hojas, entonces también que el mar sea un mar de ideas”. Fue así que cambiamos. Y Honney Bunny, la verdad no sabía cómo ponerle a la obra, se me ocurrían títulos como Navegando en el destino y cosas que decía no, no, buscaba algo que fuera llamativo, que la gente se pregunte qué es eso, porque a la mejor con Navegando hacia tu destino es de “ay, es un dramón”, entonces dije “le voy a poner nombre a la embarcación”, y estaba escuchando una canción que se llama Honey Bunny, y así, nada más por eso, esa canción me gustó. Dije, pues Navegando en el Honey Bunny. Llegué y le pregunté a un amigo “oye, ¿te parece el título?”, “ay, no, está bien feo”, pero me gustó a mí. Porque me dijo eso, “nadie le va a entender” y yo “ah, bueno”. A la mejor nadie le entiende, a lo mejor alguien va a querer saber qué es. Así fue.

Navegando en el Honey Bunny (Escenario) - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Navegando en el Honey Bunny (Escenario) – Fotografía por Jessica Tirado Camacho