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La carga estética del diseño: entrevista con Ana Elena Mallet

Algo dentro de los objetos late como otra función, una vida nueva y secreta que se devela cuando la primera de sus existencias muere. Es lo que sigue un significado que se construye desde lo artificial de la mirada, un significado que encaja dentro de una categoría estética y se redefine por su forma y finitud material al servicio de las ideas que provoca.

Retomar, reunificar y reubicar: el arte como diseño o el diseño como arte –depende de cómo se le quiera concebir, tomando en cuenta que se entrelazan pero difieren– está concentrado en esos tres movimientos. Así se enmarca la muestra Nuevos Territorios, albergada por el Museo Amparo, y sobre la cual Ana Elena Mallet, quien es parte del equipo curatorial responsable, nos dio una entrevista.

Nuevos territorios, exposición en Museo Amparo - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Nuevos territorios, exposición en Museo Amparo – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

Ricardo Torres: Dinos, ¿cuál sería la importancia del diseño en la actualidad?

Ana Elena Mallet: Yo creo que hay una parte muy importante del diseño, entendido como una herramienta social, que funciona así para resolver problemas, como lo habíamos pensado antes, pero también para generar bienestar, para generar desarrollo, como una herramienta de crecimiento social y humano.

RT: Aunado a esto, ¿el entrecruzamiento de arte y diseño ha generado una nueva categoría estética o puede estar en camino hacia esta categoría estética?

AEM: Pues, no sé si una nueva categoría estética; creo que los diálogos son cada vez más evidentes y este borramiento de las fronteras es cada vez más común. No sé si hablaría de algo completamente nuevo porque siempre ha habido estos diálogos, quizá hoy son más marcados y son mucho más evidentes. Pero creo que estamos en un camino interesante porque hay menos reglas y las menos reglas permiten más experimentación y mejores resultados.

RT: La globalización, ¿crees que sea parte importante de esto y que haga evidente esto?

AEM: Yo creo que definitivamente por la globalización se borraron las fronteras para convertirse en un sólo mundo, y creo que eso ayudó a que parte de la realidad se trasladara al arte y se rompieran también estas fronteras. Y creo que la globalización también ha ayudado a hacer un diseño menos nacionalista y que le hable a todas las poblaciones del planeta.

RT: Eso es algo que se nota mucho en esta exposición, como tú mencionabas sí son trabajos que se hacen locales pero que son de muchas partes, son diseñadores europeos, asiáticos…

AEM: Así es, diseñadores latinoamericanos que de alguna manera viajan, viven en otros lados, regresan, producen y ahí hay una parte bien interesante, de hablar de esta globalización y de pensar “¿es diseño venezolano el que hace un inglés, que nació en Venezuela pero creció y vive en Londres o es diseño inglés?”

Ana Elena Mallet y Ricardo Torres - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Ana Elena Mallet y Ricardo Torres – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

RT: ¿Cómo esta exposición repercute en la forma de entender el diseño como arte?

AEM: Yo creo que no hay que entender el diseño como arte, hay que entender que diseño y arte dialogan y se complementan, y que el diseño es una expresión cultural y como tal tiene que ser considerada también en los terrenos académicos y en los museos, porque antes se hablaba de muebles coloniales, bueno, aquí en Puebla vemos una casa Bello con muebles coloniales espectaculares, y por qué el diseño que hacemos hoy en día no puede estar en un museo cuando al final son piezas hechas a mano que hablan de un momento cultural importante y de ciertas expresiones de una sociedad.

RT: Algo que llama mucho la atención de esta exposición y de la mayoría de las obras es la funcionalidad de las mismas, ¿eso sería la parte fundamental del diseño, como la columna principal?, ¿qué tanto la funcionalidad influye a la hora de querer producir?

AEM: Yo creo que hay una parte importante del diseño que para que sea diseño tiene que ser siempre funcional, pero para que sea un diseño importante, relevante, necesita ser un diseño que tenga una alta carga estética, yo creo que es un poco lo que se ve en esta exposición, que lo estético no deja de lado lo funcional.

RT: Vemos que muchas de estas obras los artistas las venden en galerías, en sus propias páginas web, ¿qué tanto perdería esto su valor estético si se vuelve una producción masiva?

AEM: Yo creo que muchas de estas piezas son difíciles de producir de manera industrial pero yo creo que no, el diseño al final no pierde; su naturaleza es la reproducción múltiple, entonces yo no creo que pierda su valor, al contrario, realmente el que sea de reproducción masiva, de reproducción múltiple, ayuda a que su naturaleza se difunda.

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Wo-od: el diseño inteligente de Patrick Schneider

Patrick Schneider - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Patrick Schneider – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

por José Luis Dávila

Piensen en madera. Piensen en todo lo que les rodea que está hecho de madera. Seguramente, no digan que no, lo dan por sentado, que la existencia de esos objetos son sólo para obedecer a fines utilitaristas: mesas, sillas, bancos, juguetes, determinados por sus capacidades materiales: la madera como elemento primario de la producción está fuera del alcance creativo para muchos, como si únicamente sirviese para dar a luz elementos inertes que se usan dentro del hogar con un fin univoco. Pero, ¿cómo eso? La madera es uno de los materiales más versátiles que la mente puede usar, no por nada es que la mayoría de lo que amuebla nuestras casas está hecho de ella, sin embargo, eso mismo le ha causado un mal. Tan cotidiana la tenemos que dejamos de prestarle atención.

Afortunadamente, no piensa así Patrick Schneider –arquitecto, ebanista y diseñador–, quien evoca a la madera con respeto y admiración, haciendo de ella un motivo para la creación y concreción de nuevas miradas sobre la funcionalidad de los objetos, pasando de estantes a sillas, de juguetes a mesas de trabajo, todo ello en busca de revivir la ebanistería en México, una habilidad creativa que se ha olvidado. Las ideas de Patrick están encaminadas a lograr armonía entre uso, función y estética, tres elementos que sabe combinar muy bien para resultar en la comodidad del usuario final de sus creaciones. Porque eso son, creaciones, no meros accesorios de uso cotidiano sino artefactos concebidos para satisfacer las necesidades no exploradas por lo común, anclados en la idea del diseño ergonómico, ideales para todo público, desde oficinistas de ocho horas en la misma postura sobre el mismo escritorio hasta  amas de casa que necesitan un descanso.

La palabra más adecuada para el trabajo de Patrick Schneider es comodidad. Cada una de sus ideas, sean propias o rediseños de algo que ha visto y sabe que puede mejorar, redefine ese concepto, llevándolo a adaptarse a cualquier contexto en el que se inserten sus muebles, desde oficinas hasta casas, pues la cualidad de éstos es el rendimiento sobre la persona que lo usa, no sobre el espacio que usa el mueble, dando mejores resultados para cualquier caso en que sea usados.

Sumado a todo eso, Patrick también trata de despertar el desarrollo de la ebanistería en otros, ofreciendo talleres en los cuales está al pendiente de cada alumno que llega a él, considerando que una formación completa no está sólo en lo formal académico, sino también en lograr que haya complementación con las habilidades más practicas.

En fin, Patrick Schneider, y su marca wo-od, es una forma extraordinaria de acercarse a la producción de diseño inteligente en Puebla, un diseño que es para todos y busca ampliarse en el uso cotidiano de las personas, que busca expandirse para demostrar que es posible cubrir cada una de las necesidades que los muebles y objetos de madera cumplen sin dejar de lado el aspecto íntimo y estético de la madera, combinándolo a la perfección, algo que es de gran valor en estos días y lo será siempre.

El arte más cerca: la nueva tienda en línea del Museo Amparo

Tienda del Museo Amparo
Tienda del Museo Amparo

Acercarse al arte para acercarlo a la gente, esa es la tarea primaria de los museos. Estar a la busca de nuevos talentos, abiertos a los artistas propositivos, generando un discurso cultural de actualidad dentro de sus salas para que los visitantes se lleven a casa la experiencia de haber entrado en contacto con, en el mejor de los casos, un reflejo de su vida.

Pero no solamente es eso, no solamente un museo se debe limitar a las salas de exposiciones. El arte se comercializa, lo queramos o no. Además, ¿quién no ha deseado robar una pintura del muro donde cuelga? En todo caso, las tiendas en los museos han ayudado a satisfacer ese deseo de forma legal (porque sí, aceptémoslo, quienes amamos el arte estaríamos encantados de poder robar las piezas originales de tener la posibilidad de hacerlo) poniendo a nuestro alcance pequeños recuerdos inspirados en las obras que se muestran, como los catálogos de las colecciones, reproducciones, agendas, lapiceros, en fin, todo lo que nos pueda evocar la visita que hicimos.

Llevar con nosotros esos objetos, tenerlos en casa, hacer funcionar la memoria al tacto o la vista de ellos para regresar un poco al momento vivido, eso debería ser considerado como una extensión del museo, una extensión necesaria.

Ante esta necesidad, y entendiéndola, el Museo Amparo ha inaugurado esta semana una nueva modalidad de la tienda que ya posee desde hace buen tiempo: ahora se podrán hacer compras en línea de todo el material que tienen a ofrecer; esto lo hacen como parte del proceso de actualización que el museo entero ha estado experimentando.

Libro de Obras Selectas
Libro de Obras Selectas

Lo interesante de esta tienda es que no se limita a difundir solamente los artículos que tienen relación con las exposiciones, sino que apoya a la difusión del diseño y artesanía local, dando espacio para diversos nombres como la Antigua Fábrica de Vidrio “La Luz”, que es tradicional en la entidad, o de Aida Walls, quien diseña diversas prendas confeccionadas por mujeres de Cholula. Además, también se pueden contar los nombres como Ariel Rojo, Daniela Rojas, Axel Rosales, Dalia Pascal, Martha Vargas, Iker Ortiz y Taller Serra, todos ellos presentando extraordinarias piezas de diseño en cuanto a juguetes, joyas u ornamentación.

Asimismo, el Museo Amparo no se cierra a nuevos talentos y está al pendiente de quienes busquen acercarse para contar con un espacio dentro de la tienda.

Con todo esto, el Museo Amparo logra acercar un poco más a la gente con las piezas, pero más que nada, a conservar una memoria material de lo que es caminar por las salas de exposiciones.

Libretita azul metálico con mono
Libretita azul metálico con mono