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La poética de la ilustración: entrevista a Santiago Caruso

Este mes, Santiago Caruso (pintor argentino nacido en 1982)  estuvo de gira por México realizando exposiciones, charlas, realización de pintura en vivo y firmas de autógrafos en todas partes. Su último evento fue una firma de autógrafos en Gandhi el pasado 15 de marzo donde pudimos conversar con él. Aquí está la charla que realizó con Gilberto Blanco.

Gilberto Blanco: ¿Qué tal te ha ido en México? ¿Cómo te han tratado?

Santiago Caruso: Muy bien, la verdad es que muy bien. Soy yo el que me metí en un problema al hacer tantas cosas en poco tiempo. Sí, pero la verdad es que me han tratado muy bien.

GB: Ya te sentías cansado desde antes de venir, habías puesto en tu face.

SC: Sí, jeje, y era cierto.

GB: Cuéntanos, ¿cómo surgió tu pasión por la pintura y el dibujo?

SC: Tiene que ver con la gráfica, tiene que ver con las tiras cómicas, con las historietas; por eso me parece muy importante atender a esa forma expresiva para que el común de la gente tenga un acceso más cercano a la lectura y al hecho artístico. Una historieta no tiene por qué ser una cosa tonta. Así que sí, la conexión con la plástica tiene que ver con las lecturas. Con algunas historietas me formé como lector así y de allí salté a la lectura de libros. En mi casa no se leían muchos libros, o sea, sí me leían o yo tenía, pero mis viejos no leían nada. Fue un poco como una especie de accidente.

GB: Y de todos los libros que has ilustrado hasta ahora, ¿cuál es tu favorito?

SC: Mira, el de Los cantos de Maldoror me lo acabo yo de encontrar, no lo había visto; pero es un libro que terminé hace poco en un tiempo bastante breve para mi propia sorpresa y calculo que en algún momento lo voy a continuar porque me quedaron un montón de imágenes en el tintero y, bueno, ojalá merezca que se reimprima y se puedan hacer algunas imágenes más para esa reimpresión.

Santigo Caruso
Santigo Caruso

GB: Sí, claro. ¿entonces podemos decir que Lautréamont es tu favorito?

SC: Pues la verdad sí, jeje.

GB: ¿Por el tiempo qué tardaste en hacerlo o por qué?

SC: No, no, es por la temática, por lo que le permite a uno como intérprete de lo visual poder configurar en imágenes; hay todo un discurso bastante personal, pero que también se potencia, o sea, que obviamente está potenciado o está sostenido por una obra literaria que tenía. Así que sí, cuando uno está en relación con algo que ya es potente per se si uno se compromete, obviamente encuentra algunas cosas por decir y pasa algo distinto. Sí, te diría que Los cantos de Maldoror.

GB: Aprovechando que tienes El Rey de Amarillo en tus manos, hace tiempo en una entrevista habías dicho que ese era uno de tus grandes sueños, ilustrar este libro. ¿Cómo te sientes ahora que lo has logrado?

SC: (Risas) Es una buena pregunta. Todavía no lo termino en realidad porque ilustré para Zorro Rojo estos cuentos y algunos más, pero hay un editor norteamericano que quiere sacar un volumen sobre Chambers bastante más grande, así que voy a hacer algunas imágenes más para otros textos. Quizás no es el mismo choque que te produce entrar en el goce de Maldoror, en esa forma literaria; porque también yo añoraba hacer este libro (El rey de Amarillo) y lo había leído cuando era bastante más chico, y ahora por allí no tiene la misma densidad poética de lo que uno está acostumbrado a transitar, entonces está bien, tiene sus posibilidades y traté de aprovecharlas, pero es mucho más rico literariamente Los cantos de Maldoror.  Creo que pude darle al libro algunos momentos luminosos y más poéticos que por ahí el texto en sí no sé si tiene o no es tan claro, creo que está en eso, más que nada en el relato de “En el patio del dragón” que tiene la imagen que fue la portada.

GB: ¿Y cómo es que te acercaste a lo fantástico y a lo terrorífico?

SC: Más que nada con la lectura de Edgar Allan Poe, que es un tipo que sigo leyendo de vez en cuando porque siempre uno encuentra cosas nuevas en su mirada de la poesía y de lo humano; es un personaje extrañísimo Poe. También tiene ensayos, es un tipo como muy versátil. También ha abarcado demasiadas cosas por ahí más de lo que podía realmente manejar, pero en cuanto a la ficción, al cuento, me parece de lo más maravilloso que he leído.

GB: ¿Qué proyectos tienes en el futuro? ¿Qué tienes a la puerta ahora?

SC: Ahora estoy ilustrando una novela de Ramsey Campbell, un escritor norteamericano al que yo le había hecho una portada de una serie de cuentos de él. Y voy a hacer las ilustraciones de una edición de cuentos de Maupassant que yo mismo seleccioné, que a ver cuándo sale y cuándo lo puedo hacer, ojalá pronto porque es un escritor que yo quiero mucho, me gusta. También voy a hacer sobre cuentos de un escritor peruano que no conocía que se llama Clemente Palma, el libro se llama Cuentos Malévolos para una editorial de Perú; es un escritor modernista, bastante raro.

GB: ¿Conoces algo de literatura fantástica o de terror mexicana?

SC: Me estuvieron hablando de algunas cosas. He leído a Carlos Fuentes. No sé a quién más conozco de México. Bueno, a Carrington que es un bicho raro, ¿no? Estuve pintando sobre cuentos de ella el domingo.

GB: ¿A Amparo Dávila no la has leído?

SC: Me la recomendaron, pero no la he leído todavía.

GB: Recomendadísima

SC: Bueno, ya van dos que me la recomiendan, así que le voy a prestar atención.

GB: ¿Y qué otras obras te gustaría ilustrar?

SC: La tentación de San Antonio de Flaubert. Es un libro que me gusta mucho.

GB: ¿Alguna otra que tengas en mente?

SC: Ahora no se me ocurre, estoy muy cansado, jeje. Sí, pero ese es un libro que quiero hacer. Ah, bueno, y Las flores del mal, es una cosa buena.

Santigo Caruso - Fotografía de @andresrsgalindo
Santigo Caruso – Fotografía de @andresrsgalindo

GB: Esta misma noche, de hecho ya en un poco tiempo, te vas de regreso a Argentina. ¿Qué impresión te deja México?

SC: A mí México me encanta, más que nada me gusta su gente y me han recibido bien; la otra vez, pero fue hace un tiempo largo, y ahora ha sido mucho más calurosa la bienvenida y ha sido enfático. Y yo lo agradezco siempre, porque es gratificante para uno salir de casa y encontrarse con la respuesta de la obra, y acá son muy efusivos. Yo lo agradezco muchísimo.

GB: ¿Haz ilustrado cuentos infantiles?

SC: Sí, más que nada hace tiempo. Hace unos añitos hice unas imágenes para un libro de brujas, pero para pre-adolescentes.

GB: ¿Y no tienes en estos momentos deseos o no te ha llamado la atención regresar a lo infantil?

SC: Sí, es más, ahora hay una posibilidad que acaba de surgir de ilustrar un clásico, pero no voy a decir mucho, igual no es ninguna cosa. Pero sí tengo muchas ganas de meterme con algún clásico infantil, a ver de qué manera se le puede interpretar a mi forma.

GB: ¿Y de dónde inspiras tus ideas? ¿De dónde surge la inspiración para tus obras?

SC: No sé, o sea, están mezcladas con lo literario, digo siempre, o la filosofía. Siempre están en esa relación de pensar algo sobre lo humano, quizás a veces en clave fantástica; o sea, aparecen imágenes rarísimas, pero aún en esas absolutamente extrañas como, no sé, La Profetiza Interior que es como una especie de sadhu de la India que en esa meditación y en ese aquietarse se reseca y se rompe como una especie de crisálida y surge de él toda una figura, como una especie de divinidad en forma de insecto-humano. Pero estoy hablando de unas cosas que uno quiere que cambien a partir de la transformación; en clave fantástica igual está dicho. Así que me parece que siempre tanto la ficción como la poesía proponen imágenes, proponen caminos y siempre mis trabajos están relacionados a lo literario.

GB: ¿Y qué otras actividades te gusta realizar aparte de esto que haces?

SC: Hago música también. En mi casa toco canciones que me gustan, y bueno, estos eventos de pintura en vivo están interesantes también, donde se sale allí a improvisar una imagen y componer algo sin tener mucha noción más que del texto. Pero bueno, la música también te va llevando y pues improvisas.

GB: ¿Algún género en especial?

SC: No. No sé, escucho de todo, desde clásicos de flamenco, folk, rock clásico, y de a poco me voy acercando a lo contemporáneo un poco, soy medio viejo en ese sentido. Bandas como Morphine o alguna banda de los 90’s que cuando yo era pibe no les di bola y que ahora disfruto mucho.

GB: ¿Hay algún artista que admires en particular o con el que sientas que tu obra se puede identificar?

SC: Quizás ahora con la obra de Odd Nerdrum, pintor noruego muy muy interesante, y alguno de otra época, puede ser Odilon Redon que transita algunos caminos que me gustaría recorrer: una imagen más simple y al mismo tiempo más misteriosa, más abierta. Así que esos te diría.

GB: ¿Y cómo defines tu arte?

SC: Yo creo que el equivalente en lo literario sería un, como que hago una especie de prosa poética porque tiene una cosa concreta que sucede y que tiene que ver con lo narrativo, con lo descriptivo, pero después hay algo que también se manifiesta allí y que viene de otro lugar, es otra cosa. No sé, para mí tiene una relación con el simbolismo, pero está re-elaborado desde esta época entonces tiene otros paradigmas también. Se comparten cosas pero hay otros elementos que la renuevan.

GB: Bueno, hace tiempo, no sé muy bien cuánto, ilustraste también para Zorro Rojo algunas obras de Lovecraft. Hoy es su aniversario luctuoso y, me llegan informes desde el más allá que él lee Cinco Centros desde el inframundo. Para despedirnos, ¿Hay algo que le quieras decir en su aniversario luctuoso?

SC: (risas). Sí, que mande algún mensaje, que se cuente algo. Que mande alguna señal, si es que hay otro lado.

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Mantener fresca la música: entrevista a Ulysses Owens Jr.

Como se está volviendo tradición, el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla trae la temporada de conciertos New York Jazz All Stars, la cual abrió con el concierto de Ulysses Owens Jr. en un Auditorio de la Reforma lleno y desbordante de energía. Tras el concierto pudimos conversar con él y aquí lo que nos dijo:

José Luis Dávila: Tengo muchas preguntas para ti, pero primero, ¿cómo te sientes hoy? Quiero decir, la casa llena sólo para ti…

Ulysses Owens Jr.: Fue probablemente una de las primeras veces en mi carrera que pude obtener algo así de especial, con tanta gente. Hemos tenido shows llenos en Nueva York, de ahí somos, pero tener  un show lleno en otro país y ni siquiera en una ciudad tan grande como la Ciudad de México, sino venir a Puebla. Fue simplemente increíble. Y tener militares acá, el general, todo fue muy salvaje.

JLD: En tu experiencia, ¿haber tocado en este lugar te gustó?

UO: Sí, me encanta, nos encantaría volver, si se acabaron los boletos para un día espero entonces que podamos hacerlo por un par de días, sería un placer regresar y tocar más música.

JLD: ¿Te sentiste como una estrella del rock?

UO: Sí, creo que en México ha sido genial, es casi como en Japón para nosotros que vamos y la gente de verdad nos ama, de verdad nos busca; en México ha sido sorprendentemente increíble. Yo sabía que iba a haber gente excelente, pero no tenía idea de que iban a amar la música en la forma en que lo hacen.

JLD: Eso es peculiar porque como sabes el jazz no es tan popular, pero ¿tú qué piensas del jazz en el mercado?

UO: Así es, en términos del mercado es muy difícil, algunas veces como músicos estadounidenses tenemos que ir a otros lugares para tener la apreciación que deseamos, así que esto prueba de nuevo que si queremos encontrar nuevos admiradores tenemos que venir a otros lugares.

Ulysses Owens Jr. y José Luis Dávila
Ulysses Owens Jr. y José Luis Dávila

JLD: Hay personas que piensan que el jazz está muerto o que es sólo para ciertos tipos de personas, ¿qué piensas de eso?

UO: Eso no es verdad, no creo que sea verdad para nada porque si dices que el jazz está muerto y que la música clásica está muerta, dices que el rock and roll, que en realidad empezó a finales de los 50’s, está muerto, dices que el hip-hop que empezó a finales de los 80’s está muerto, entonces para mí nada está muriendo, lo que pasa es que a veces la aproximación que le da la gente hace más difícil que las personas se enamoren de ello. Lo que tenemos que hacer, y es lo que hacen estos tipos increíbles, lo que tenemos que hacer es mantener fresca a la música para que haga que la gente la quiera escuchar y experimentar. El jazz es el tipo de música que tienes que experimentar, no puedes sólo ponerla en un disco, tienes que verla en vivo para sentirla, eso es lo que vas a recordar después.

JLD: ¿Tú piensas que el jazz sale del alma?

UO: ¡Claro! yo creo que cualquier música tiene la habilidad de tocar el alma, es simplemente parte de la vida. Así que si la música es lo suficientemente poderosa puede penetrar en el alma

JLD: Tú eres un gran baterista, a mi parecer, pero tú ¿qué piensas sobre el futuro de Owens?

UO: ¡Oh! Pues con lo que he visto hoy, espero que mi futuro me permita llevar a esta banda a muchos más lugares así, esperamos volver a México, ir a Brasil, a África, a Guatemala, por todo el mundo y yo creo que conciertos y experiencias como esta harán que los promotores lo consideren, porque eso es lo que tiene el jazz: un lado de negocios y necesitamos que los promotores sepan lo que hicimos hoy por todo el mundo para poder llevar nuestro espíritu y nuestra música por todo el mundo.

Ulysses Owens Jr. en concierto
Ulysses Owens Jr. en concierto

Una memoria colectiva en la piedra: entrevista a Elena Damiani

En el Museo Amparo, como parte del proyecto Intemperie Sur, Elena Damiani presenta su pieza Testigos: un catálogo de fragmentos, en el cual explora la idea del paso del tiempo desde una relación del paisaje natural y la subjetividad del espectador. Al respecto, pudimos conversar con ella y aquí les tenemos lo que nos dijo:

José Luis Dávila: Después de ver tu trabajo y los materiales que estás utilizando, creo que la primera pregunta es ¿cómo fue el proceso para elaborar toda la pieza?

Elena Damiani: El proceso en total duró por lo menos unos dos años, primero los diálogos con las curadoras, luego el estudio por ser un proceso de sitio que se inició en el MUAC, el estudio de los espacios a intemperie que estaban en selección para decidir en dónde este podía posicionarse y presentarse, y ya después que se pasó del proceso de planeamiento y de concepción, ya el proceso de producción fue por lo menos de un año y medio. Se inicia con la selección de la piedra, que viene de la cantera de la Sierra Central de los Andes y una vez que ya están seleccionadas las piedras que yo debo utilizar, de eso depende muchísimo el tratamiento que yo le vaya a dar a la piedra, estas piedras son talladas a mano, primero pasan por una serie de máquinas, de cortes muy grandes, como hilos de diamante o discos de hidrocorte, por el volumen, de la piedra pero luego ya cada pieza es trabajada a mano.

Elena Damiani explicandon Testigos: un catágolo de fragmentos
Elena Damiani explicandon Testigos: un catágolo de fragmentos

JLD: ¿Cómo te empieza a interesar la idea del paso del tiempo y todo el concepto que manejas en la pieza?

ED: Yo creo que el paso del tiempo me interesó desde siempre. Si yo intento buscar un hilo conductor a lo largo de mi práctica artística y de mi investigación diría que ha habido tres cosas fundamentales: un interés hacia el paisaje, un interés hacia la arquitectura, porque yo pienso que el contexto nos ayuda a entender nuestra posición, pero también interés en el pasado para un entendimiento del presente, que finamente también es el entendimiento de un contexto en el que nos encontramos. Y eso me lleva a explorar diferentes ramas que se relacionan ya en investigación mucho más profunda, con ciencias de la tierra como son ciencias de la evolución de la tierra como la geología, la arqueología, la arqueología, la cartografía y a partir de estos materiales que yo voy encontrando es que yo los reformulo, los descontextualizo para que pierdan ese rigor y puedan enriquecerse y adquirir cierta ambigüedad y amplitud, referirse a un espectro mucho más amplio de lecturas, es que yo desarrollo obras tanto en collage como instalación de esculturas y video, yo no me remito a un cierto medio sino más bien el proyecto que estoy desarrollando dicta el medio en el que yo voy a producir.

JLD: Dentro de esta idea del paisaje que tienes, como un especie de referencia a una arquitectura natural, ¿cómo se inserta también tu pieza en el imaginario social, por ejemplo de Perú, o si puede ser ampliado a cualquier región?

ED: Yo no veo mis piezas, o no pretendo que mis piezas hagan una referencia directa a una localidad, me gustaría creer que las piezas pueden ser dislocadas y que apelan a una memoria colectiva, que le van a ser familiares a un espectro amplio de público, es decir, si las pongo en Perú o las pongo en México o las pongo en Dinamarca o las pongo en China, estas van a poder ser leídas porque uso materiales familiares, porque evocan a una memoria colectiva, que es a lo que yo quiero apelar y porque trato que el material que yo utilizo, de archivo en el caso del collage o en el caso de las esculturas que es la piedra, es un material familiar y que pierde esta exactitud geográfica de localidad. Si bien, alguien reconoce que estas piezas provienen de cierto origen, pues es un agregado de la lectura que ellos puedan tener, pero no es un factor determinante y más bien limitante dentro de la concepción de la obra.

Testigos: un catágolo de fragmentos - Fotografía por Dalia Ruiz
Testigos: un catágolo de fragmentos – Fotografía por Dalia Ruiz

JLD: Finalmente, como parte del proyecto que tienen aquí las dos curadoras, ¿cómo piensas tú que se integra realmente la pieza de Verónica Gerber con tu pieza?

ED: Yo pienso que Intemperie Sur es un proyecto bastante interesante, primero por que plantea reactivar espacios que normalmente no están concebidos dentro de una museografía como espacios de exhibición propiamente dichos, sino justamente son espacios intersticiales, es decir, son espacios que no tienen una fácil clasificación, no son ni un adentro ni un afuera, no son espacios expositivos tal cual, podrían ser espacios expositivos pero justamente este reactivar y este espacio de, tanto como lo plantea Verónica, y como lo planteo yo, de unos espacios muy flexibles en donde puede uno encontrar ciertas posibilidades para reflexionar sobre estos vacíos, estas fracturas, estos espacios que se prestan a muchísimos diálogos e interpretaciones.

Elena Damiani y José Luis Dávila - Fotografía por Dalia Ruiz
Elena Damiani y José Luis Dávila – Fotografía por Dalia Ruiz

La escritura sobre las paredes: entrevista a Verónica Gerber

En el vestíbulo del Museo Amparo se encuentra instalada la obra Los hablantes, de Verónica Gerber, una serie de viñetas que funcionan como una narración sobre el lienzo de vidrio que son las paredes del mismo museo, contando un conflicto conocido por todos en México, una narración abierta que da esperanza y desasosiego a la vez, al preguntarse si es aquello que somos lo que queda de nosotros, tanto como individuos y sociedad, como buscando que la respuesta nos haga reflexionar nuestra realidad.

Respecto a Los hablantes, pudimos conversar con Verónica Gerber y aquí tienen la entrevista completa:

José Luis Dávila: Para empezar, ¿por qué se decide instalar la pieza en el vestíbulo del museo?

Verónica Gerber: La pieza forma parte de un programa curatorial que comparten el Museo Amparo y el MUAC, se llama Intemperie Sur, y particularmente está centrado en pensar en los intersticios del museo como espacios de exhibición, es decir, los espacios que normalmente no se utilizan para poner piezas. Por eso la obra de Elena está en uno de los patios y yo estoy en el vestíbulo, que no son salas de exhibición como tal, sino otros espacios en los que hay que resolver las piezas también de otras maneras y esa sería en principio la razón por la que está ahí. Ahora, yo elegí el vestíbulo también porque tenía la amplitud suficiente para poder plantear esta especie de tira cómica, que en realidad es más bien una tira trágica más que cómica, y porque me interesó mucho investigar sobre materiales para intervenir sobre vidrio.

JLD: ¿Qué diferencias hay, ya no tanto en el formato, sino en el concepto que tiene esta pieza con la del MUAC?

VG: Las dos se llaman Los hablantes, lo que pasa es que pasaron casi dos años desde la que presenté en el MUAC con ésta. Entonces se conservan la mayoría de los elementos pero digamos que se agregan otras cosas, es decir, en la del MUAC tenía globos de texto, la reflexión sobre la conversación y sobre tratar de pensar en pequeñas historias mínimas hacia dentro de pequeñas conversaciones entre personas y el elemento que había en la del MUAC son los pronombres personales que, digamos, son como formas mínimas del lenguaje y que refieren a personajes posibles: un yo, un tú, un él, nosotros, ustedes, etc., interactuando a partir de los globos de texto, el blanco y el negro, etc.; estos eran como pequeñas microhistorias en el MUAC. Y, aquí, después de dos años de trabajo y de otros proyectos que ha habido en medio que se relacionan, digamos que esta pieza es como una cuarta versión. Lo que hay aquí es que desaparecen los pronombres y aparece una narrativa más extendida en lugar de estas pequeñas microhistorias en los dibujos; tiene seis viñetas que entre todas te cuentan una historia, y en lugar de que haya pronombres lo que hay son pequeños textos en un formato que tiene más que ver como con la narrativa gráfica o como con el cómic. En las otras también hay bastante de cómic pero, te digo, creo que esa es la diferencia primordial, aquí hay una narración en seis viñetas, una historia muy clara que se cuenta y en la otra eran narraciones independientes una de otra en cada dibujo y los dibujos no estaban todos juntos, estaban dispersos en los patios del museo.

Verónica Gerber y José Luis Dávila - Fotografía por Dalia Ruiz
Verónica Gerber y José Luis Dávila – Fotografía por Dalia Ruiz

JLD: Sí, eso es muy muy interesante, porque tú hablas de narraciones, ¿eso viene de la vena literaria que también trabajas?, entonces, ¿cómo es para ti, como artista visual, integrar estos elementos literarios? .

VG: Exacto, pues mira, esa es una reflexión que siempre me está acompañando y que siempre estoy tratando de entender y de re-entender porque nunca es igual. Pero, a este punto, digamos que hasta donde estoy lo que he pensado es que, aunque mi formación es como artista visual, sin duda, y de hecho agradezco mucho esa formación, creo que lo que está en el centro de mi trabajo es la idea de escritura, eso quiere decir, para mí es un matiz en la elección de la palabra, no es literatura sino escritura y es desde la escritura que yo puedo ir hacia lo literario y hacia lo artístico visual, digamos, porque la escritura tiene esas posibilidades a las vez que literarias. Entonces creo que yo trabajo desde la escritura, mi idea es la escritura y de repente es más visual y a veces es más textual, depende, en este caso es mucho más visual que textual y tengo un par de libros por ejemplo, entonces en el libro es más textual, en fin.

JLD: Esta idea también de la escritura, tu trabajo ha sido muy itinerante en este campo de la literatura: Mudanza, tu libro, por ejemplo. Pero, ¿qué vena itinerante tiene este proyecto, aparte de estar en el MUAC y en el Amparo? ¿Hay posibilidades de que se exponga en algún otro lugar?

VG: De que se exponga, no al momento, es decir, es un proyecto pensado justo para el Amparo y el MUAC. Algo que a mí me importa mucho es que, si me volvieran a pedir que presente Los hablantes, sería distinto, no me gusta repetir la misma pieza, por eso hay transformaciones del MUAC a acá, a pesar de que yo ya sabía que tenía que ser en los dos, quise que fueran diferentes, no me gusta estar mostrando la misma cosa. Pero me gusta mucho tu pregunta del asunto de la itinerancia y que la relaciones con Mudanza, porque si algo tiene este proyecto también de diferente con el MUAC es que en el MUAC se imprimió una cosa que le llaman folio que es un mini catálogo que hace el MUAC de sus exposiciones, que de hecho está por allí, pero para esta hicimos una serie de postales con cada viñeta y tú te la puedes llevar, te llevas como toda la narración. Pero si las usas, porque para eso eran las postales en otra época, y bueno, ya no estamos muy acostumbrados a eso pero yo tengo esa esperanza, de que vaya alguien al correo le compre una estampilla y se la mande a alguien. Esa es una forma de itinerancia, para mí, de la pieza, es romper la narración de seis viñetas en seis viñetas y que cada viñeta vaya a distintos lugares y que sea pretexto para iniciar una conversación, porque en el fondo Los hablantes es una reflexión sobre la conversación; comunitaria, con un contexto político como el nuestro o no, pero sobre la conversación también, entonces creo que la itinerancia podría estar ahí, por ahora.

JLD: Finalmente, ¿sientes que Los hablantes podría convertirse en un proyecto un poco más literario en algún punto o ya viene como en conjunto con esa misma idea como mencionabas antes?

VG: Hay tres versiones de Los hablantes, de hecho: una es la que está aquí en el Amparo, otra es la del MUAC y otra es como un ensayo visual que está dentro del folio que te digo, ahí hay un ensayo visual hecho con los mismos dibujos de Los hablantes y es una reflexión sobre la conversación en un espacio comunitario. Entonces ya existe, no como libro, pero ya existe impreso, o sea que yo creo que siempre las cosas que hago tienen la posibilidad de estar en chiquito, en una postal o en un librito o en un fanzine, un postercito o yo qué sé, estar en un muro, como una pieza en algún espacio.

Carácter, una prueba de oficio: Entrevista a Federico Vite

Federico Vite presentó su libro Carácter el pasado viernes 19 de febrero en Profética Casa de Lectura, y minutos antes del evento conversamos con él sobre la novela misma y su punto de vista sobre la literatura.

Carácter - Portada
Carácter – Portada

José Luis Dávila: Estuve revisando un poco la novela y mi primera pregunta sería ¿por qué en primera persona?

Federico Vite: Bueno, la novela es de hace más o menos 15 años; empezó como una anotación de diario y fue creciendo el relato. Una anotación que tenía que ver con una novela de John O’Brien que se llama Leaving Las Vegas y con Tristessa de Kerouac. En el camino me di cuenta de que se iba a volver una novela, como estaba en primera persona todo me pareció que traicionaba un poco el espíritu del proyecto, pensaba cambiarlo después y después decidí que iba a ser un gran ejercicio ucrónico, es decir, moldear algunos aspectos que no ocurrieron para confabular ese aspecto. Se quedó en primera persona porque me hace mucho sentido la técnica para generar una intimidad con alguien, sobre todo si el personaje es detestable. Entonces empecé a creer que era una gran prueba de oficio ver si se podía volver entrañable el personaje. Así decido que se quede en primera, experimenté en tercera pero era muy lejano, tramposamente lejano, por eso lo decidí dejar en primera.

JLD: Se nota, es como un poco más de ti, un poco más experiencial también.

FV: Sobre todo, digo, puede sonar extraño, me interesa la noción del mal no en el sentido católico sino en estas pequeñas formas de construir los fracasos laborales, sentimentales y por supuesto personales de los personajes, en realidad de las personas, pero como yo me dedico a esto pues son los personajes. Empecé a decidir que sólo alguien que se equivoca mucho puede beber tanto, puede generar una secuencia en efecto de ficha de dominó, a partir de ahí sondeo eso, decido que se llame Carácter justamente porque obedece estas novelas de formación de la personalidad, todo lo que nos heredaron los alemanes.

Federico Vite - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Federico Vite – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: Me dices que es de hace años la novela, ¿por qué publicarla tan después?, ¿cómo fue el proceso? Digo, ganó un premio del 2012…

FV: Así es, ese es el motivo por el que se publica. Antes estuve buscándole casa, no tuve fortuna, le di muchas vueltas, se supone que habría salido en el 2012, no pasó. Se pasaron unos 4 años más, ya no esperaba la publicación porque cambia el gobierno… ya sabes, se pierde todo eso. Sólo aparece acompañada de otros dos libros, hay un cuarto más que está por salir que es así como en camada, pero todos tienen edades distintas. Decido que es bueno que se publique por esa noción, por eso mandé a concurso, aparte del dinero, para que estuviera publicado y bueno, llegó un poco tarde pero finalmente llegó.

JLD: La novela ganó el concurso, pero qué piensas de cómo se llevan éstos, que a veces son un poco turbios, que de repente pasa esto de que va a publicarse en ese año y se empieza a retrasar. No solamente con este, ha pasado con varios concursos.

FV: La idea de los premios me parece muy bondadosa y muy ociosa. Bondadosa en el sentido más claro: el dinero y la publicación, que el 90% dice que funciona así, me parece que es un juego, como sacarte la lotería; a veces tienes un material que tal vez no sea tan bueno pero en el caldo de cultivo de los que compiten permite tenerlo publicado y ganarte un dinero por los derechos de publicación. Me parece sano el juego, hay muchas formas de malinterpretarlo, de dudar de eso, pero insisto, es como sacarte la lotería de pronto, puede que sea considerado ilegítimo por algunos, pero me parece que quien envía a un concurso bajo las reglas a las que se ciñe la convocatoria sabe que pueden ocurrir esas cosas. De pronto también somos muy pocos los que nos dedicamos a esto, somos los mismos que en algún momento seremos jurado y somos los mismos que enviamos a concurso. Entonces, me parece que es una especie de círculo vicioso que mantiene su forma en la medida de lo posible, que hace más bien que daño, creo. Pero finalmente no se trata de ser más escritor por ganar ese premio o esa beca sino simple y sencillamente es un filtro que nos pasa y que nos permite esto, por ejemplo esta charla no la tendríamos si el libro no se hubiera publicado, me parece eso muy generoso, no es algo que esté en el premio pero forma parte del premio.

JLD: Dijiste algo interesante: lo de ser más escritor, ¿cómo se es más escritor, quién podría determinar eso realmente?

FV: Bueno, este es un oficio para viejos, quiero decir un oficio para sabios. No siempre está ligado de la mano y cuando digo sabios quiero decir que sabes que con pocos recursos puedes emocionar a otro humano contándole una historia, imagínate qué irónico es que te vas a parar casi a hacerla de bufón para convencer emotivamente a alguien. Creo que te haces más escritor en la medida que sabes muy bien cuáles son tus habilidades, sabes muy bien cuáles son tus debilidades y puedes hacer una armonía con eso: lo bueno y lo malo de tu trabajo. Finalmente es como hacer muebles, estarlo puliendo constantemente. Creo que en el fondo estamos ensayando sólo para un libro de un tema en específico en toda la vida, las herramientas que utilizas, donde capitalizas muy bien tus lecturas, pero eso no siempre pasa en secuencia, es decir, no en la idea de una competencia deportiva de un libro tras otro sino en la medida de una satisfacción personal. Casi como un sacerdote que oficia, creer en esto, en las cualidades de esto, y uno sabe porque por encima de todo es buen lector o es un lector, sabe si ese libro te ahorra otras lecturas o te permite engarzarte con otras lecturas que te han cambiado la vida, que así son los libros buenos, los libros buenos, por lo menos los que a mí me han cambiado la vida son aquellos que me recuerdan que soy mortal, que en la medida que me hago viejo no me vuelvo sabio y que por mucho miedo que tenga a la soledad estoy mejor solo. Y si eso te hace la literatura, si te acercas a eso con el mejor uso de las herramientas que uno tiene, creo que puede tener uno cierta medida de que vas haciendo bien las cosas. Porque por encima de todo no es una competencia, esto no es un deporte, luego lo vemos así justamente por las becas, por los premios, pero no creo que sea un deporte.

Federico Vite - Fotografía por Jessica Tirado Camacho
Federico Vite – Fotografía por Jessica Tirado Camacho

JLD: Hablas de un lector-escritor, de un escritor-lector. ¿Actualmente crees que se haya perdido eso? Porque, por ejemplo, tenemos un montón de libros de escritores que no leen, entonces…

FV: Creo que se publica mucho y me parece bien. Se le mucho pero no se lee bien, creo que uno lo puede detectar en la medida que descubre a cierto autor, que raro se ve que este tipo aunque lo conozca no lo leyó bien, porque le ofrecería otra veta. Me parece que leemos mucho y leemos mal, leemos a prisa, estamos tratando de competir en algo que no es una competencia. El ejercicio de las expresiones estético-humanistas tiene que ver con una forma de intimar con uno mismo. En un ejercicio de reflexión si te enamoras de un proyecto por dos años quiere decir que le rindes fidelidad a eso, si no lo haces y llevas cierta prisa, cierto rush, entonces quiere decir que estamos leyendo apresuradamente por acabar. Nos debería dar más, es decir, capitalizar las lecturas y ofrecer lo mejor que se puede sin problemas.

JLD: Finalmente, sobre Carácter, ¿qué va a encontrar la gente en Carácter que no encuentre en algo más?, ¿cuáles son las lecturas aparte que se podrían dar a la novela?

FV:  Yo estoy tratando de poner una historia sobre Acapulco que no se ha mencionado por lo menos en muchísimos, bueno muchos autores del sur que padecieron el arribo y el desastre de un huracán. Me parece que la noción del duelo después de eso, del paso del huracán, no se ha construido especialmente sobre Acapulco, me parece que estoy hablando de los miedos de los que están cansados, tristes, enfermos. Eso es lo que podríamos encontrar en Carácter, cómo recuperarse después de eso, en un solo personaje que ama la posibilidad de encontrarse con otros a través de la lectura, de la poesía, de la música popular y culta. A eso me refiero, a dar un correlato de la tristeza, o de la melancolía en este caso, tomando de la mano la forma de encontrar la belleza de la naturaleza. Como está el planteamiento de la novela parece que se va a matar ese hombre y es curioso que descubre en el camino que siempre se está engañando, no lo hace porque lo único que quiere es recuperar todo eso que ama pero no sabe cómo sostenerlo, que también es otra de las nociones de la literatura. Entonces damos cuenta de eso porque ya lo perdimos, ya no sabemos cómo lidiar en la realidad con ello. Y bueno, esencialmente ofrece un panorama de Acapulco que nos detiene, no es un paisaje estampado en una postal sino es algo que le está doliendo todo el tiempo, reconocerse en una tragedia que puede ser luego muy festivo y luego muy escandaloso pero esa es la única posibilidad ajena a lo que creo que es literatura que vamos a encontrar directamente en la historia.

*Transcripción de la entrevista por Victoria Sandoval

La vocación de escribir: entrevista a Magali Tercero

Como parte de las actividades del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla (CECAP), Magali Tercero (reconocida cronista y presidenta de PEN Club México) ofreció un taller de cuento real (o crónica) en la ciudad, en el marco del cual pudimos entrevistarla. Aquí lo que nos dijo:

José Luis Dávila: Para empezar, después de leer sobre tu carrera, y leer algunos de tus libros, creo que una pregunta fundamental sería, ¿por qué la crónica, por qué este tipo de periodismo?

Magali Tercero: Pues supongo que fue una vocación. La primera crónica que escribí fue en 1991 pero yo no sabía que era una crónica, yo pensaba que estaba haciendo un reportaje y de pronto alguien me hizo notar que estaba escribiendo crónica. Ahora, había leído crónica, desde luego. Cuando yo estaba en la preparatoria había libros que había que leer de rigor: había que leer a Ricardo Garibay, había que leer a Elena Poniatowska, había que leer a Vicente Leñero, todos eran excelentes periodistas; había que leer a Jorge Ibargüengoitia que tenía una columna muy interesante, en fin. Entonces, yo creo que tiene que ver con una vocación y que de pronto uno descubre en qué cajoncito de la vocación de escribir está uno colocado.

JLD: ¿Y, en México, cómo crees que han sido recibido este tipo de textos?

MT: Bien, bien. Hace mucho que se escribe muy buena crónica en Méxic; tenemos una gran tradición: desde Bernal Díaz del Castillo, Hernán Cortés y, después, tenemos los liberales a fines del siglo XIX, Guillermo Prieto, Ignacio Altamirano, tenemos gente de primera, todos estos que menciono son gente de primera en relación al género de la crónica. Claro, ha cambiado mucho la crónica y ahora hay muchas maneras de hacer crónica y de hacer periodismo narrativo, pero han existido toda la vida

JLD: ¿Qué piensas del papel de la crónica, ahora por ejemplo que ganó Alexiévich el premio Nobel?

MT: Sí, fíjate que de alguna manera es un reconocimiento al periodismo narrativo. Estoy leyendo simultáneamente dos de sus libros y ella lo que hace es articular, enlazar y tejer, con mucha fineza miles de testimonios sobre las mujeres que fueron a la guerra en la segunda guerra mundial, los rusos contra los nazis, de la gente que vivió la caída del imperio soviético, por decirlo de alguna manera. Es un tejido muy muy fino a base de testimonios, entonces de alguna manera es un reconocimiento muy grande al periodismo narrativo y eso está bien en el sentido de que le da un gran impulso.

Entrevista a Magaly Tercero - Fotografía por Gerson Tovar Carreón
Entrevista a Magaly Tercero – Fotografía por Gerson Tovar Carreón

JLD: Ya que mencionas eso, la idea del periodismo como fuente de historias, como una especie de narración, ya no solamente para una nota, para un artículo, sino para la vida cotidiana, ¿qué tan importante crees que va a ser con todos los cambios mundiales que hay y todos los problemas que estamos enfrentando?

MT: El periodismo narrativo siempre va a estar un poquito relegado, no importa cuánto se le estimule desde diversas fundaciones, la de García Márquez, por ejemplo. De todas maneras no es algo, no sé cómo decirlo: ahorita es su mejor momento pero al mismo tiempo no es verdad que la gente lea mucho periodismo narrativo. Lo que pasa es que sí tiene un papel muy importante porque tiene la capacidad de iluminar zonas que normalmente los ciudadanos que queremos estar al pendiente de lo que sucede no tenemos manera de acceder; tiene la particularidad de irse a los pliegues de la vida privada y articular la vida privada en función de la vida pública. Es importante, el periodismo es muy importante y el narrativo también lo es, pero siempre va a tener un nicho, un lugar diferente al que tiene la literatura. Se venden muchas más novelas que de periodismo narrativo. Sin embargo, en la coyuntura actual de México pues sí se han vendido muchísimas obras de periodismo narrativo porque ha sido el tema del narcotráfico, el tema de Ayotzinapa, en la coyuntura actual todo eso es muy necesario.

JLD: Esta idea de los temas del periodismo narrativo, al menos en México, como el caso de Tryno Maldonado que sacó lo de Ayotzinapa…

MT: Sí, y él es escritor; hay muchos escritores que han empezado a hacer crónica y se están insertando en este especie de boom de la crónica. Quiero leer ese libro porque también son testimonios, parece que bien hilados, quiero leerlo porque pasó varios meses allá en Ayotzinapa. Hace rato estaba en el zócalo y alcancé a ver a la caravana que anda circulando por varias ciudades recordando la fecha, hoy 26 de enero.

JLD: Y bueno, igual esta idea de la tradición, es una tradición oral la que recoge el periodismo narrativo, como recientemente aquí en la ciudad hubo una exposición de Ilán Lieberman sobre San Miguel del Progreso y sobre cómo trataba de conjuntar esta idea de tradición oral con el arte. ¿Crees que este tipo de híbridos también puede generar el periodismo narrativo? Como de tratar de reflejar una realidad pero sin ser politizado, sin ser tomado por grupos que tienen otros intereses.

MT: Pues sí, sí puede, pero desafortunadamente todo se politiza, es muy difícil que no se politicen las cosas. Pero sí, desde luego que puede reflejar la realidad tratando de conservar cierto centro, no de ser objetivos porque es imposible, pero sí de conservar cierto centro.

Entrevista a Magaly Tercero - Fotografía por Gerson Tovar Carreón
Entrevista a Magaly Tercero – Fotografía por Gerson Tovar Carreón

JLD: Sobre tu nueva posición en la presidenta de PEN Club…

MT: Acabo de ser elegida como presidenta del PEN por el próximo periodo de tres años y bueno, además de que es una misión, una encomienda, es un cargo honorario; somos muy pocos los voluntarios pero además de continuar con las tareas tradicionales e históricas del PEN internacional creado en 1921 en Londres, además de eso, que son difundir la literatura y defender la libertad de expresión, que son fundamentales ambos, un capítulo importante de PEN internacional es la defensa y cobijo de escritores perseguidos. Pero sí, como periodista, como cronista me interesa mucho poner un énfasis, no solo en los periodistas asesinados, que ya lo tiene desde hace seis años PEN México, sino hacer énfasis y hacer voltear la atención hacia el periodismo narrativo y la crónica, que son diferentes.

JLD: PEN se dedica a procurar la libertad de expresión y en estos tiempos deberíamos hablar como de la función de la libertad de expresión. ¿Qué tan real es y qué tanto PEN puede hacer por ello?

MT: Es muy difícil, hoy recibí un mail de PEN internacional, agradeciendo que finalmente nos sumamos muchos países a una lectura internacional de poesía simultánea, se dio simultáneamente en 128 sedes de PEN internacional, en 48 países, se dio simultáneamente y agradeciendo y diciendo que ojalá este esfuerzo global sirva para algo. Entonces tu pregunta yo la entiendo perfectamente porque en el DF, en el ex DF, se realizó la lectura con 25 poetas, con autores, fue algo muy interesante, estuvo lleno todo el tiempo, todo fue muy bueno pero en el fondo uno se pregunta: ¿qué tanto va a servir esto para que no decapiten al poeta Ashraf Fayad? Que por cierto, tú que preguntas sobre cruce de géneros, es poeta, curador y artista, pero, ¿qué tanto va a influir? Es lo que me mencionaban en el mail “esperemos que esto funcione” y uno sabe que sobre un gobierno religioso que acusa a alguien y decide decapitar a alguien por no creer en el profeta Mahoma o en dios, uno sabe que no es fácil incidir con 128 lecturas de poesía mundial, pero hay que hacerlo, hay que hablar y que pasar la voz, hay que hacerlo.

JLD: ¿Qué proyectos tienes para PEN en los próximos meses?

MT: Va a haber pronto una premiación simbólica, todo en PEN es honorario y eso tiene su valor, va a haber una premiación, estamos ya eligiendo candidatos para los premios de excelencia literaria y periodística. Esto ya existe desde hace varios años, esta premiación que se hace y que es simbólica y honoraria. Ese es el proyecto siguiente y estamos dándole con todo al blog PEN Piensa, para difundir

JLD: ¿Cómo se puede hacer para ayudar a PEN?

MT: Pues inscribiéndose; por ejemplo, los escritores pueden inscribirse, hay cuotas, hay que tener uno o dos libros publicados y las cuotas posiblemente 500 o 700 pesos a juicio del miembro. Nosotros difundimos la literatura de los miembros, los invitamos a todas nuestras actividades y también pensamos juntos qué hacer, es importante. Mucha gente no sabe qué es PEN México, ayer alguien me escribió y me dijo “Yo no tengo idea de qué es PEN”. ¡Y es un escritor! Es un escritor culto además. Se trata de eso, de que se conozca a otros niveles.

*Transcripción de Victoria Sandoval

La sombra, la luz, la gente: entrevista a Timo Saarelma

Shadows Unfold es un trabajo sensible sobre la dualidad que Timo Saarelma construye por medio de luz y sombra, aspectos que buscan hacer un retrato de la ciudad, en este caso, de L. A., pero que bien podría ser cualquier ciudad. La cámara de Saarelma realiza un ejercicio especular, contando aquello que ve porque lo que ve refleja a quien activa todo el mecanismo para que el click suene.

Esta exposición se inauguró en Galería Liliput, donde tuvimos oportunidad de conversar con el fotógrafo, aquí lo que nos dijo:

José Luis Dávila: He visto tu trabajo y es genial; te quiero preguntar: ¿cómo se siente cundo estás en la calle con tu cámara y qué piensas respecto a tus imágenes, respecto a tu trabajo?

Timo Saarelma: Bueno, lo primero que veo cuando estoy en la calle son las fuentes de luz, de dónde viene el sol, luego trato de buscar a las personas, principalmente, como en estas fotos que siempre son de hombres; trato de ver a las personas, cómo interactúan con el espacio público de la ciudad, la luz y las sombras. Es como si tratara de contar algún tipo de historia con estas imágenes sin conocer su final o su contexto pero la historia viene de la sombra, la luz, la gente y las imágenes.

JLD: ¿Tú crees que pueda ser tu propia historia lo cuentas en las fotos?

TS: Probablemente. En el pasado he estado trabajando mucho con estos temas, con el cuerpo humano masculino y con la sexualidad. Creo que aún está ahí, incluso en estas fotos en blanco y negro aunque no sea tan visible. Pero también creo que es mi propia historia la mayor parte del tiempo, tratando de reflejar algo de mí mismo a través de estas imágenes. 

JLD: ¿Crees que la ciudad pudiera ser como un personaje más en tu trabajo o sólo la gente que vive en ella?

TS: Creo que es muy significativo para mí cómo se ve la ciudad, no podría hacerlo en cualquier tipo de ciudad. Me gusta retratar, por ejemplo, las partes viejas de Los Ángeles en el centro, es algo que está desapareciendo por la centrificación: hay demasiados nuevos negocios y restaurantes, clubes nocturnos y todas estas cosas mudándose al área del centro y re-haciéndola. Ha estado sucediendo por algún tiempo pero esas son las partes viejas de la ciudad, son las que me gustan, creo que tienen como un alma, como el personaje del que me hablas.

JLD: Por último, tu trabajo es sobre Los Ángeles y es un gran trabajo, pero quiero saber si tienes algún plan de tomar fotos en México.

TS: El verano pasado trabajé 2 meses en Oaxaca y estuve tomando fotos en la ciudad, así que sí, México es algo que me interesa y también tuve algo de tiempo en Mérida. No he tenido mucho tiempo en Puebla, me hubiera gustado tener más tiempo pero también he tomado algunas fotos en las calles de Puebla, tengo un par de días aún, así que tomaré más si puedo. Creo que hay muchas cosas interesantes en México que me gustaría ver, experimentar y capturar en mis fotos.

Timo Saarelma y José Luis Dávila - Fotografía por Gerson Tovar Carreón
Timo Saarelma y José Luis Dávila – Fotografía por Gerson Tovar Carreón

*Traducción y transcripción por Victoria Sandoval

La oralidad implícita: entrevista a Ilán Lieberman

Ilán Lieberman presentó recientemente su proyecto y exposición Soy de San Miguel del Progreso en el Museo Amparo, el cual se centra en la construcción del espacio social por medio de la recuperación del relato oral, creando un retrato de comunidad que, aunque inacabado debido a los mismos límites necesarios del proyecto, se encuentra en constante configuración desde la misma comunidad, lo cual se puede ver desde la página oficial del mismo proyecto: soysmp.mx

Respecto a Soy de San Miguel del Progreso pudimos entrevistar al mismo artista y esto fue lo que conversamos.

José Luis Dávila: Empezaría preguntándote algo que, me parece, es fundamental: después de todo este trabajo, ¿crees que hay una diferencia entre la metodología artística y la de investigación social?

Ilán Lieberman: Sí; bueno, no te puedo hablar de la investigación social porque no sé mucho de eso, pero supongo que sí hay una gran diferencia, ¿no? Porque siendo un investigador que te tienes que insertar, digamos, de una historia y de un contexto que ya tiene todo un bagaje y una forma de hacerse. Y en el arte, digamos, uno como artista puede meterse -sobre todo en las artes visuales-  a hacer cosas que podrían lindar o estar en el intersticio de otras disciplinas, pero sin serlas. Entonces puedes entrar realmente desde cualquier lugar, y en mi caso desde el lugar de la sensibilidad subjetiva.

Ilán Lieberman - Fotografía por Gerson Tovar
Ilán Lieberman – Fotografía por Gerson Tovar

JLD: Me imagino que fue un gran reto para ti tomar este ejercicio, ¿qué complicaciones tuviste desde la idea…?

IL: Sí, sí, es un proyecto que empezó hace seis años realmente, porque yo no lo divido; es un proyecto que empezó por el 2013, bueno, quizás antes, pero concretamente como hace 6 años cuando me topé con los volantes e hice una primera aproximación. La primera aproximación que hice tenía más el sentido desde acá, tú tienes los volantes, los ves, ¿esto qué es? Pues vamos a tratar de ver qué significa desde el lugar donde yo lo veo, que es limitado pero circunscrito al ambiente urbano, no a la realidad de allá. Hice un proyecto ahí pero me quedé como con el gusanito de que hay mucho más allá, sentí que esto debe ir mucho más allá, y dije “bueno, si me voy a la comunidad, ¿qué puede pasar? A ver qué me encuentro” Y esa fue la primera idea. Mi idea era trabajar en la comunidad y con la comunidad, eso a grandes rasgos pero no sabía cómo hacerlo ni cómo se iba a materializar, y qué iba a suceder. Me fui guiando en la misma narrativa que yo encontré en los volantes, entre las líneas de los volantes -y se pueden leer porque hay tres de ellos en la exposición-, como que sentí que había un querer expresar algo.

JLD: Como un pretexto también para ti, supongo, para llegar a esta idea de relatar algo oral, porque, por lo que veo en la exposición no se centra ya en la idea de los volantes, como algunos periodistas quieren ver que es algo social y completamente político, sino sacarlo de ahí

IL: Sí, así es. Yo en todo momento lamento, por un lado, que lo hayan utilizado para ello, pero digamos que la ventaja es que genera por lo menos discusión, posiciones, ponerlo sobre la mesa y poderlo hablar; eso es lo que falta, creo, en este país.

JLD: Y bueno, sobre la obra misma, ¿cómo fue la decisión de poner esta sala en la que se va narrando solamente a través de ciertos brillos o destellos de la imagen y cómo lo conjugaste con lo que ya encontraste en las grabaciones?

IL: A lo largo del proyecto, como estuve escuchando las entrevistas, y cuando transcribes una entrevista te metes hasta el tuétano porque escuchas muchas cosas que cuando la hiciste no entendías, entonces de ahí estuve sacando cosas que me llamaron la atención. Eso me sirvió para editar todas esas entrevistas muy largas en algo cortito y a la vez me sirvió para estos fragmentos, tratar de armar algo como un conjunto. Y, como lo dije ahí, la colección prehispánica del museo, que es mucho más grande de lo que se muestra aquí, pues tiene unas piezas fantásticas que además tienen una oralidad implícita en la pieza. Y, pues no sé, es de esas ocurrencias, dije “y si juntamos estas dos cosas”, y me lo imaginé como una puesta en escena, como un espectáculo de luz y sonido. Entonces, es como un juego, como un espectáculo de sonido pero reloaded, no con el discurso añejo de “los indígenas son esto y aquello”, esas cosas que ya no podemos creer sino tratar de ponerlo en el contexto actual y remitirlo, al mismo tiempo, a resonancias antiguas también.

Ilán Lieberman y José Luis Dávila - Fotografía por Gerson Tovar
Ilán Lieberman y José Luis Dávila – Fotografía por Gerson Tovar

JLD: Y ya que hablamos sobre esto de la actualidad y los indígenas, ¿cómo fue, qué tan difícil fue hacer las entrevistas? Me imagino que ya entrar a la comunidad fue difícil…

IL: Pues te voy a decir, de lo que me dicen algunos antropólogos, y creo que tienen razón, que si no fuera porque esta comunidad está desarticulada y empleitada no podría haber entrado nunca o me hubiera tardado diez años en que me den una entrevista. Eso por un lado, y por otro lado tuvimos mucha suerte porque encontramos gente que nos abrió las puertas y nos dijo “bienvenidos, adelante”, y en particular mencioné a doña Consuelo, que a través de su auspicio pudimos llegar a mucha gente.

JLD: Finalmente quiero preguntarte, este proyecto ya está en la red y es muy socializable, ¿crees que sería necesario hacer como de diferentes comunidades este tipo de proyectos? No generalizando como el tuyo como un modelo, sino que los artistas podrían acercarse para darnos un nuevo vistazo a esas comunidades o a esas culturas.

IL: Yo no puedo decir lo que se deba o se tenga que hacer pero es una propuesta, ahí está, si alguien quiere hacerlo, pues adelante. Si a alguien se le antoja hacer lo mismo u otra cosa en su comunidad o en esta misma, pues ojalá que sí sirva para ello.

Seguir siendo un estudiante: entrevista a Kendrick Scott

El pasado 27 de noviembre, a través de De Quinta Producciones y el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes (CECAP), se presentó en la ciudad la banda Kendrick Scott Oracle, una de las bandas que agrupan a varios de os grandes jazzistas de New York como Taylor Eigsti, Joe Sanders, John Ellis y Mike Moreno; al final de su presentación tuvimos la oportunidad de conversar con el líder de la banda, Kendrick Scott, y esto fue lo que nos dijo.

José Luis Dávila: ¿Cómo te sentiste respecto al show de esta noche?

Kendrick Scott: El show de hoy fue muy emocional, es bueno estar de vuelta en Puebla y vivir el gran sentimiento que da esta ciudad

JLD: ¿Cómo te sientes respecto a los músicos que tocan contigo?

KS: Para mi es afortunado que hayamos estado aquí juntos en Día de acción de gracias porque, como dije, en verdad agradezco estar con esos chicos, cada uno de ellos tiene un lugar muy especial en mi vida, hemos tocado juntos muchas veces y el hecho de que estén acá conmigo compartiendo este momento es muy precioso, muy afortunado.

Kendrick Scott y José Luis Dávila - Fotografía por Isaías Tovar
Kendrick Scott y José Luis Dávila – Fotografía por Isaías Tovar

JLD: Respecto a tu nuevo álbum, We are the drum, me puedes hablar del proceso de grabarlo.

KS: El proceso de grabado es el mismo que el de los instrumentos mismos: tiene muchos puntos de partida que vienen de cada miembro de la banda contribuyendo a la música y también escribimos toda la música en el estudio, juntos. Así que fue un gran festival de amor (ríe); todos los chicos contribuyendo con su música y no sólo con sus ideas en general, sino con sus ideas en la composición también.

JLD: Por último, tú eres parte del ciclo de conciertos New York All Stars, pero, ¿te sientes como una estrella?

KS: (Ríe) Bueno, yo diría que con el amor que recibo de Puebla sí me siento como una estrella, pero he sido un estudiante durante toda mi vida y mi meta es seguirlo siendo, así que me siento halagado de estar aquí con músicos tan grandes.

Hacia una sociología regional: Jorge Rovira Mas y el Portal de Sociología latinoamericana

por Gerson Tovar 

Esta semana participé en el XXX Encuentro de la Asociación Latinoamericana de Sociología (ALAS), y tuve la oportunidad de charlar con el Dr. Jorge Rovira Mas, profesor-investigador de la UCR, quien además es coordinador y gestor del Portal de Sociología latinoamericana. Este sitio web se activará este día, miércoles 2 de diciembre de 2015, y tiene como principal objetivo visibilizar una sociología regional: Latinoamérica. En entrevista el catedrático habló sobre los contenidos y dificultades que se tuvieron para construir este medio.

Gerson Tovar (GT): ¿Qué es el Portal de sociología latinoamericana?

Dr. Jorge Rovira Mas (JRM): El portal es el único sitio web del mundo que está dedicado íntegramente a visibilizar una sociología regional: la de América Latina. No existe un portal de la sociología europea, no existe un portal de la sociología africana, no existe un portal de la sociología norteamericana, que sea Canadá, Estados Unidos y México. Entonces el portal de sociología latinoamericana esta dedicado a la sociología de América Latina con una misión: visibilizar la producción científica de nuestra región.

GT: Hablando de esa visibilidad, ¿qué podemos encontrar en el portal?

JRM: Se pueden encontrar varias cosas. En primer lugar, lo que llamamos el directorio latinoamericano de instituciones. El directorio latinoamericano de instituciones de sociología, todo dedicada a la sociología de AL, lo que hace es ofrecer, por país, las asociaciones y colegios de cada uno; todos los centros e institutos de investigación en sociología de cada país de AL, todas las revistas en digital de sociología de cada país y todos los programas de posgrado, maestría y doctorado, de cada país. Hay más de 600 sitios identificados con sus links y con una breve descripción de cada uno de ellos. De manera de que alguien que quiera conocer cuál es la institucionalidad de la sociología de AL en términos de programas de posgrado y maestrías, doctorado, centros de institutos de investigación, publicaciones, colegios profesionales, allí va a encontrar, de una manera muy breve y muy rápida, eso. Aparte, damos noticias continuamente sobre publicaciones. Todo digital, nada que no sea digital. No damos a conocer un libro que este impreso, solo damos a conocer revistas, publicaciones, libros completos en digital. También ofrecemos un visor, que periódicamente cambiamos, con noticias de la sociología latinoamericana. Y tenemos una agenda de eventos de la sociología y las ciencias sociales en general.

Jorge Rovira Mas - Foto Archivo
Jorge Rovira Mas – Foto Archivo

GT: ¿Cómo se enfrenta el portal al problema del plagio en los materiales digitales?

JRM: Fundamentalmente, lo que publicamos en digital son cosas ya publicadas. Nosotros los ponemos ahí a la circulación pública, documentos públicos pero seleccionados. Por ejemplo, la SEPAL saca un estudio sobre la política pública en AL. Está en SEPAL, está en el sitio de SEPAL, pero nosotros lo hacemos circular ágilmente, llamamos la atención al sociólogo latinoamericano sobre ese tema. De manera que nosotros no nos enfrentamos ni tampoco procuramos reproducir documentos que no han pasado por sistemas de revisión de pares. Porque no tenemos la capacidad. Usted lo comprende, es una cosita pequeña, no tenemos la capacidad de hacer revisión de pares como una revista normal. Pero sí relevamos, destacamos, llamamos la atención periódicamente sobre lo que se publica y tenemos un boletín que se publica digitalmente que se envía a todos los que se registran en el portal. De ahí la importancia de acceder al portal una vez que este activado y suscribirse, con eso se recibe el boletín. 

GT: Para finalizar, ¿cuáles son las problemáticas que ha tenido para construir este portal?

JRM: Muchísimas, porque se hace con muy pocos recursos. La Universidad de Costa Rica me ha apoyado, de hecho, es de la universidad, del instituto de investigaciones sociales, pero tenemos pocos recursos para eso. Entonces, lo que hacemos es un trabajo de búsqueda y selección, un trabajo hormiguita que, a veces, es muy difícil, y que lo hacemos para beneficio de crear una comunidad sociológica latinoamericana; que no desprecia, que no ignora, que no desconoce la sociología internacional. Pero, quiere visibilizar, resaltar y destacar la sociología de AL.

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