Archivo de la categoría: ¡Eso no es arte!

Puebla y el arte urbano

Anciana-Puebla-Ciudad-Mural
Anciana-Puebla-Ciudad-Mural

por Mathieu Branger

Se puede admirar desde hace unos meses arte en las calles de Puebla, sin embargo el arte de la calle poco se parece a las esculturas monumentales de este verano.Existe pues otra manera de entender el arte con formas mucho más propositivas, y con mucho más fuerza.

El programa Puebla ciudad mural, encabezado por el Colectivo Tomate es uno de esos ejemplos. Sus integrantes lo definen como “un proyecto social-artístico comunitario que busca la redignificación y el rescate de espacios urbanos, al tiempo que se regeneran comunidades a través de procesos sociales”. Desde 2009, en diálogo con los habitantes existe un programa de valoración y preparación de las fachadas para permitir la intervención de artistas invitados, que van creando hasta la fecha grandes murales coloridos. El éxito de esta iniciativa se ve hoy en el barrio de Xanenetla, Puebla, donde las casas ya están cubiertas por grandes pinturas que hablan de los habitantes, de la historia, de una identidad. Las fotos lo muestran, el cambio es radical, y para los integrantes del colectivo ya se inició una nueva dinámica: “tiene consecuencias positivas en su autoestima y el descubrimiento de talentos, mientras que los jóvenes han podido utilizar sus aptitudes artísticas de una forma constructiva, y no destructiva”.

Sí, gracias al Colectivo Tomate las paredes hablan, la ciudad esta invadida por otro tipo de expresión que no necesariamente queremos escuchar. Caminado por el centro cada quien ha tenido la suerte de encontrarse con obras ejecutadas con las técnicas del stencil o del graffiti que interpelan por su contenido contestatario. No se trata de la falsa poesía de los grupos de Acción Poética, mas bien se quiere hablar del street art en Puebla.

Especial
Especial

Nace en los años 60 en de las protestas populares, pasa por el Punk y la cultura Hip Hop para ser hoy parte de nuestra cultura urbana, revindicada pero no siempre aceptada. Se asocia el street art a la protesta, a la denuncia y a grupos culturales subalternos. Es una expresión que se quiere libre y efímera, en contra de todas las normas de la actual institución cultural, aunque las recientes exposiciones internacionales propician su recuperación mercantil. Desde hace poco existe una pagina Facebook, Street art Puebla, que recopila las obras actuales, antes de su legitima desaparición. Se ven creaciones ya bien conocidas, en el centro de la ciudad, algunas de las que están todavía pegadas en las paredes de la calle 4 norte, y algunas mas escondidas. Existen mucho más para fotografiar y difundir.

http://colectivotomate.com/index.php/ciudad-mural

http://colectivotomate.com/index.php/ciudad-mural/puebla/xanenetla/murales-xanenetla

https://www.facebook.com/pages/Street-Art-Puebla/183157598520318?ref=ts&fref=ts

Todo de Cabeza/ Javier Marín en Santo Domingo

Especial
Especial

por Mathieu Branger

En este verano, los poblanos tienen la oportunidad de acercarse al arte y a la cultura, sin ni siquiera tener que ir al museo o a una galería. Están las escultura de Federico Silva en tres de las esquinas del Zócalo, están también las obras de Javier Marín en la plaza de Santo Domingo.

Esas grandes cabezas ya han viajado por todas partes y han visto todo tipo de paisajes, en China, en Estados Unidos, toda Europa, en la Ciudad de México o en Campeche. Aterrizaron hace unas semanas en la plaza Santo Domingo, a un lado de la avenida 5 de Mayo, en el mero centro histórico.

¿Qué son esas grandes cabezas?

Una firma, el estilo inmediatamente reconocible del escultor, su valor mercantil y una buena publicidad para la ciudad. Así, Puebla pertenece al club de las ciudades culturales, sin embargo, en el día a día sabemos que las situación de las instituciones no es del todo satisfactorio, que no hay comunicación por parte del Estado sobre sus grandes proyectos, no hay concertación…

Son también una manera de invadir el espacio público para generar otra experiencia estética. Las monumentales cabezas de bronce de Javier Marín, pesadas, imponentes, suscitan la curiosidad, el publico se acerca para ver cómo están hechas, lo que esta adentro, tocar las, jugar, esconderse, tomarse fotos, mirar en los huecos. Uno de los méritos de la presente muestra es esa posible apropiación: el arte en el espacio publico se volvió cosa de todos.

CABEZA-Especial
CABEZA-Especial

Son por fin un dialogo de formas históricas, las de Santo Domingo, de los retablos barrocos, de la capilla del Rosario, con lo contemporáneo. El arte de Javier Marín es contemporáneo, sin duda. Lo podríamos comparar a un trabajo hiperrealista, por la dimensión desmesurada y el detalle de sus esculturas. Arte para el presente, esas obras portan con ellas el peso de la historia, del arte desde el renacimiento, con sus pasiones y sufrimientos.

Hasta el 7 de julio se puede tener otro acercamiento a un espacio cotidiano, y una experiencia artística que busca transformar nuestra percepción.

El Salon de la fama/ Vicente Rojo

Vicente Rojo-Especial
Vicente Rojo-Especial

por Mathieu Branger

Vicente Rojo estuvo en Puebla con su Rotunda de los artistas ilustres. Todo el mes de junio la galería La Miscelánea de la escuela Unarte presento la exposición “el Salón de la fama”, de Vicente Rojo, homenaje a grandes artistas y guiño del artista a su propia obra.

Rojo es uno de los artistas vivos mas conocido hoy en México, por su aporte a la gráfica nacional, al diseño y al arte en general, siendo uno de los último representantes de la generación de la Ruptura.

En este caso, el artista de 81 años, y más de 60 de creación, vuelve sobre su historia, mezclándola con el arte moderno y contemporáneo. Las obras que conforman el salón de fama combinan figuras y materiales, para rendir homenaje, imitando pero no copiando un estilo, una práctica, y revelando las inspiraciones, de las más lejanas a las más actuales que influyen en la obra de Vicente Rojo.

Vicente Rojo-Especial 2
Vicente Rojo-Especial 2

El artista recrea en un solo cuadro todo un universo, sintetiza un pensamiento en un gran collage de madera, que nos habla pues de lo que es una obra, y de un legado. Se reúnen figuras de la ciencia ficción y del misterio, del cine y de la magia, Jules Vernes, con pequeños barcos de plomo, Aghata Christie o Georges Melies, pero también iconos del arte contemporáneo.  Sin distinción, y como acercándose a la intimidad del artista, están aquí presentes el arte abstracto de Rothko, el geometrismo de Paul Klee, el arte de Jean Dubuffet y sus figuras de colores, las instalaciones, y recortes, la literatura de Carlos Pellicer o Italo Calvino, instalaciones e el arte conceptual, acumulaciones con Joseph Cornell o Louise Nevelson. Todo bajo la mirada del artista, en una lectura univoca, y distanciada, un poco fría, pero sin embargo muy atractiva. Es experimentar uno de los temas principales e la historia del arte, las influencias y las reinterpretaciones.

Miriam Medrez/ Cuerpo Ausencia Hilvanando identidades

Especial
Especial

por Mathieu Branger

La Capilla del Arte continua su exploración de la creación contemporánea con la presentación del trabajo de la artista mexicana Miriam Medrez. La exposición Cuerpo ausencia, hilvanando identidades muestra el trabajo mas reciente de la artista de Monterrey, sobre el tema de la identidad y de la feminidad con maniquís y vestidos de telas intervenidos con diversos materiales y varios textos bordados.

La Capilla del Arte, ubicada en la parte alta del antiguo edificio de las Fabricas de Francia, en la calle 2 norte, es el espacio cultural de la UDLAP, y tiene como vocación vincular el arte, en todas sus modalidades con la comunidad, trayendo a Puebla proyectos novedosos, ambiciones y de gran alcance.

En esta ocasión, se trata de Miriam Medrez artista bien conocida del mundo del arte, con una larga trayectoria, que radica en la ciudad de Monterrey, donde produce la mayor parte de sus obras. Desde los años ochenta empezó a trabajar formas orgánicas, inspiradas en lo vegetal ,o en lo animal, para dar vida a grandes esculturas, que integran también en su mayoría figuras humanas. Medrez es una artista polifacética, muy reconocida pero discreta, que traza su propio camino, sin dejar de pensar el arte como una experiencia que incluye al espectador, lo involucra.

La exposición de la Capilla es importante porque nos muestra una nueva linea en el trabajo de la artista, con esculturas ya no de barro sino de tela y de bordados. La tela es un material femenino, frágil, que sirve en este caso como punto de partida para presentar el cuerpo de una mujer, Miriam Medrez, y proyectar estados, realidades o fantasías, pero siempre de manera directa.

Miriam Medrez
Miriam Medrez

En los maniquís de tamaño natural, existe un tensión entre un mundo interior y la realidad social, entre cuerpos reconocibles y elementos que brotan, que saltan a la vista y son expresiones de la subjetividad de una mujer o expresiones sociales, sin eludir el dolor, el sexo, el cansancio del cuerpo. Se profundiza todavía mas esa relación con la serie de vestidos invertidos, en los cuales quedan solamente vestidos vaciados de cuerpo. El espectador se encuentra, al igual que en una exposición de moda con grandes envolturas tejidas, pero si se acerca se tiene que afrontarse con imágenes bordadas de mujeres desnudas expuestas en su intimidad.

Es más que un trabajo de creación de objetos artísticos, es la reconstrucción de un imaginario, a través del vestido. Los maniquís de tamaño real, con o sin cuerpos, desnudos o descarnados, nos interpelan, de manera no tan ingenua, para saber que seria “ser mujer” y nos dejan sin embargo sin respuesta.

Luanda, encyclopedic city

Luanda, encyclopedic city 1-Especial

por Mathieu Branger

La edición número cincuenta y tres de la bienal de Venecia entregó su león de oro de la participación nacional al pabellón de Angola creando para los comentaristas una gran sorpresa. La noticia sorprende todavía más si se considera que es la primera participación de Angola en las representaciones nacionales, y que hasta ahora, este tipo de muestra tiende a premiar en su mayoría artistas europeos o estadounidenses. De inmediato la prensa denunció el trasfondo económico de lo que no sería más que un acuerdo diplomático. Angola es un país pobre, pero tiene importantes reservas de petróleo. Italia es un país rico pero en plena crisis. Las dos economías encontraron al parecer un terreno de acuerdo, este premio es su primera manifestación.

Sin embargo y dejando de lado a los cínicos, asistimos en esos últimos años al emergencia de una nueva escena artística, con artistas africanos, que producen desde África un arte actual, que puede dialogar con cualquier tipo de propuesta en las grandes muestras internacionales.

El proyecto presentado en la bienal de arte de Venecia, Luanda, enciclopedic city, muestra la imposibilidad de encerrar en un solo lugar toda la riqueza y la diversidad del arte que se está gestando en Angola, tal que lo pretende un pabellón nacional en Venecia. El artista invitado Edson Chagas y los curadores de Beyond Entropy han elegido presentar 23 fotografías de grandes formatos, 23 maneras para el espectador de experimentar la ciudad de Luanda. Según Chagas, las imágenes investigan distintas formas urbanas, cuando el paseante imagina las relaciones entre objetos abandonados y el lugar donde se encuentran, tal que se ve en la fotografías. El equipo angoleño se aprovecha del lugar, el palazzo Cini para iniciar una reflexión alimentada por el espectador, sobre la construcción del conocimiento del espacio habitado, su catalogación y su identificación, en dialogo con la colección histórica resguardada en este recinto.

Luanda, encyclopedic city 2-Especial
Luanda, encyclopedic city 2-Especial

Recordamos que Angola es un país que salió en 2002 de treinta años de guerra civil, es un país destrozado que empieza apenas a reconstruirse. En este sentido, el premio de la bienal de Venecia este año puede interpretarse también como el reconocimiento del peso del arte y de la cultura en la conformación de experiencias colectivas y relaciones sociales. Frente a la violencia, al caos que representa Luanda, Edsons Chagas plantea una posible alternativa, con una mirada atenta y detenida. Luanda, encyclopedic city nos permite valorar nuestra propia experiencia del espacio habitado, en contextos de violencia, de inseguridad y de desorganización, a través de un mapeo imaginario e intimo.

Martí Perán: Esto no es arte

Eso no es un museo -Imagen Pública
Eso no es un museo -Imagen Pública

por Mathieu Branger

El pasado lunes 20 de mayo, el teórico y curador Martí Perán presentó su trayectoria en los museos y centros de arte, y habló de sus proyectos más recientes.

La fundación Arquetopia invito, en los salones del Edificio Carolino de la BUAP, a un encuentro informal, más bien una charla, con el curador catalán, quien concibió la muestra Eso no es un museo, actualmente en el Centro Cultural de España en la Ciudad de México. Arquetopia es un grupo presente en Puebla y Oaxaca cuyos objetivos son, a través del arte, apoyar al desarrollo humano y a la transformación social, una visión compartida por el ponente de este lunes.

Martí Perán, profesor titular de teoría del arte en la Universidad de Barcelona, es uno de los curados españoles quien en esos últimos años dio nuevas perspectivas a la curaduría contemporánea. Como él mismo lo recuerda en su ponencia, uno de los proyectos más importante en este sentido es Post-it cities [http://www.ciutatsocasionals.net/], exposición generada a partir de una reflexión multidisciplinaria sobre los espacios intersticiales en varias ciudades del mundo, presentado en el Centro de Cultura de la Ciudad de Barcelona CCCB, entre septiembre 2011 y febrero 2012.

Se concibió desde el inicio como un registro de un material efímero, escondido, para observar cómo se ocupa el espacio social, de manera informal, para el juego, la diversión, todo tipo de negocios, de la venta de artesanía a la prostitución, en distintos lugares del mundo. El enfoque es, como lo subraya el curador, “posdisciplinario”, es decir que se buscó ir más allá de las límites propias de cada disciplina para olvidar las lógicas de campo que las constituyen.

Observar lo contemporáneo en sus puntos de quiebre es la preocupación que también motiva dos otros proyectos sobre la ciudad y el paisaje, en continuidad con la propuesta anterior, After architecture, y Living Landscape, propuestas deliberadamente provocativas, punto de inicio del debate por parte del público.

Martí Perán en los ejemplos que enseñó a la asistencia este lunes pone en práctica cierta idea de la curaduría, entendida como metodología. Es entonces una de las maneras de ser contemporáneo, es decir, citando al filosofo Giorgio Agmaben, de ver la heridas de nuestro tiempo, y desvelar sus fracturas, en una perspectiva atemporal. Es también una manera de tomar partido en lo que el curador llamó en esta ocasión “una guerra de valores”, una forma para definir nuevas actitudes y normas sociales.

En México se presenta actualmente y hasta el 30 de junio, en el Centro Cultural Español la exposición Esto no es un museo, un proyecto ambicioso, casi una antropología del museo móvil. El curador Martí Perán aplica su método para la documentación y el registro de formas alternativas de concebir el museo, archivos, bibliotecas, efímeros y móviles, sacando a la luz, esta vez, 17 ejemplos mexicanos.

Eso no es un museo 2 -Imagen Pública
Eso no es un museo 2 -Imagen Pública

www.martiperan.net

http://ccemx.org

http://www.arquetopia.org