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Inadaptación novelada

El guardián entre el centeno-Especial
El guardián entre el centeno-Especial

por Andrea Garza Carbajal

En 2010, a los 91 años de edad J.D. Salinger moría por causas naturales en un pequeño poblado de los Estados Unidos, tras vivir casi 50 de encierro voluntario en su casa. Escritor que causó revuelo en los años cincuentas, que marcó a una generación de adolescentes provocando su admiración y el repudio de los sectores más conservadores… ¿Qué lo motivaría a permanecer aislado el resto de su vida? Quizá el encontrarse en una sociedad a la que le resultaba imposible adaptarse.

Adaptación: idealmente todos deberíamos hacerlo en algún momento para integrarnos a la sociedad y procurar su funcionamiento. En la adolescencia las personas lo intentan, ajustando su personalidad a las demandas sociales, tratando de evitar el aislamiento. Pero en esta transición surge la rebeldía y el cuestionamiento, algo inherente a la edad, y por tanto obedece más al instinto que a la razón, volviéndose la mayoría de las veces, una rebeldía desechable, mal enfocada e impersonal, perteneciente a una conciencia colectiva y homogénea. Este colectivo adolescente pocas veces llega a rebelarse ante algo que no ataña directamente a su pequeño egocéntrico mundo. ¿Pero que pasaría si un adolescente, antes de intentar siquiera adaptarse, primero cuestionara su entorno de una forma inteligente y crítica? Bueno, probablemente ese adolescente se llamaría Holden Caulfield y sería el personaje creado por Salinger en El guardián entre el centeno.

Publicada en 1951, la novela inicia con la expulsión de Holden de un exclusivo colegio particular a causa del desinterés que siente hacia casi todas las materias. Antes de llegar a casa de sus padres con la noticia, decide tomarse unos días por su cuenta abandonando la escuela antes de tiempo para pasear por Nueva York. De una forma irreverente y sarcástica, Holden irá relatando sus experiencias, criticando siempre la frivolidad, hipocresía y mezquindad de sus congéneres, profesores y demás personas con las que se topa, volviendo su escapada una triste y deprimente revelación de estar inmerso en una sociedad putrefacta. Sin embargo, será la persona menos esperada quien le dé a su visión pesimista un enfoque más alentador. 

JD Salinger-Portrait Session
JD Salinger-Portrait Session

La obra fue recibida con diferentes reacciones en su época. Para algunos, la típica forma adolescente de hablar del protagonista (quien realiza toda la narración) resultó inmoral, por las palabras altisonantes, referencias sexuales, sarcasmos, etc. Pero lo que más ofendió fue su constante crítica hecha con un tono irreverente y retador. Entonces se volvió un éxito entre la juventud norteamericana y continúa siéndolo, además de una lectura obligada en las escuelas públicas. Resultó un paradigma, ya que daba una voz a los adolescentes, reflejando su confusión e inconformidad. Pero más allá de eso, la novela muestra una profunda decepción hacia la sociedad de la época.

El personaje idealmente representaría a los valores adolescentes. Es un joven de gran inteligencia al que le gusta leer y posee cierto grado de instrucción. Sin embargo no es académico, pues su propia rebeldía le hace cuestionar a las exclusivas instituciones a las que ha pertenecido y  a aquellos que las encabezan. Cuestiona a los valores adultos tanto como a sus congéneres. No desperdicia su rebeldía con motivaciones absurdas, sino que busca con desesperación aquello que lo saque de la corrupción de la que se ve rodeado. En este proceso dará traspiés, se desesperará, tendrá la urgencia de abandonarlo todo con una clara necesidad de evasión. Holden resulta un adolescente atípico, pero a fin de cuentas adolescente. Su constante confusión por tratar de entender al mundo, su repulsión ante lo que le representa, vuelven muy difícil su adaptación. ¿Pero qué pasará cuando este periodo termine y el joven Holden se convierta en adulto? Tal vez su adolescencia termine cuando olvide todas sus dudas y se adhiera al resto del mundo o quizá cuando acepte que es imposible encajar en una sociedad sin futuro, y que la única opción es mantenerse alejado de ella.

Salinger, algunos años después de la publicación de su polémica y exitosa novela, poco a poco fue recluyéndose, perdiendo contacto con el resto del mundo. De vivir en un céntrico apartamento en Nueva York, se mudó a una casa de un pequeño poblado. Las entrevistas que concedía se comenzaron a volver más esporádicas al igual que la publicación de sus libros, las visitas dejaron de ser frecuentes hasta que aparentemente, se cansó del mundo y decidió excluirse de él. A pesar del interés que generaba entre los periodistas, que trataban de saber si aún escribía o los detalles de su vida privada, Salinger los alejó, permaneciendo en el mutismo hasta su muerte.

JD Salinger by Antony Di Gesu
JD Salinger by Antony Di Gesu

Hay diferentes clases de inadaptación, este es del tipo inofensivo para la sociedad pero que condena a quien lo padece. El futuro de Holden, tal como se lo pronosticará un personaje, podrá resultar en frustración y mediocridad o la elevación de sus fortalezas. Dependerá hacia dónde dirija los sentimientos que le aquejan. Entonces, ¿Cuál será su destino? Bien, elucubrar sobre el porvenir de un personaje resulta aún más ocioso que hacerlo sobre una persona. Mejor quedarse con el adolescente creado por Salinger, aún incapaz de adaptarse al mundo y con la incertidumbre de  poder hacerlo, pero que no deja de ser crítico con su entorno, en la constante búsqueda de algo mejor. 

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El látigo auto flagelante

Capote por Bresson
Capote por Bresson

por Andrea Garza Carbajal

Hace algunos años, después de entrar a la carrera de Literatura, conocí a un joven que se presentaba a sí mismo, sin vacilar, como escritor. Pensé que escribiría todo el día, pero no era así, en realidad, la mayor parte del tiempo dormía (incluso en clases); decía muy serio que en sus sueños fraguaba la trama de sus relatos, en su cabeza llevaba media novela hecha y estaba seguro que en cuanto la terminara podría escribirla para que fuera publicada. Creí que estaba tratando con una especie de genio, un genio que prefería no leer porque su escritura podría verse mal influenciada por personas que nada tenían en común con él. Extraña forma de pensar para sus pretensiones, aunque jamás supe si decía la verdad. Antes de poder comprobar cualquier cosa, desapareció. Mi hipótesis es que murió ahogado entre el alcohol, la inconsciencia y su almohada, por la mala costumbre de dormir siempre boca abajo, que ya le había causado otras veces principios de asfixia etílica.

Tiempo después me di cuenta de que al talento excepcional, el verdadero, le precede una técnica. Lo más común es encontrar técnicas bien desarrolladas en talentos mediocres, también existen los talentos perezosos, brillantes por naturaleza pero que jamás se desarrollarán manteniendo su estado de comodidad y sobreviviendo de sus pequeños aciertos, pero lo menos común, es el talento nato cuya trascendencia se acompaña de una técnica depurada.

Además de las lecturas constantes y,  a palabras del autor, cinco horas diarias de práctica desde los ocho años, llevarían a Truman Capote a ser un escritor consumado a los diecisiete. Se sabía talentoso, se sospechaba genio. Jamás dejó de buscar nuevos caminos para mejorar su estilo porque sabía que difícilmente encontraría un límite para la evolución de su talento.

Reconocido por la crítica, redituable para las editoriales y para sí mismo, capaz de capturar un buen número de lectores sin comprometer su estilo, y con la personalidad necesaria para escandalizar a veces o causar polémica, se volvió el escritor de moda. No sólo entre los lectores ordinarios. Penetró en los círculos de la farándula y la alta sociedad, y en algún punto, ello influyó en su escritura.

Truman Capote 1973-Especial
Truman Capote 1973-Especial

Quería retratar la realidad, no sólo escribiendo bien, sino buscando el “arte verdadero”. Así, después de la publicación de sus obras más reconocidas, ideó escribir una novela que proyectó como su obra cumbre. Un retrato irreverente de una parte de la alta sociedad europea y estadounidense, la parte que él conocía. Publicó los primeros capítulos en la revista Esquire convencido de que sería un éxito. Sin embargo, la reacción más notoria y que definiría el avance de su obra, la obtuvo de varios de sus amigos, aquellos que al verse retratados en las páginas, con  algunos de sus íntimos secretos revelados, lo excluyeron de sus círculos y le dieron la espalda. Capote diría tiempo después que fue lícito, quizá reprochable, pero lícito para un escritor que tomaba como punto de inspiración la realidad que lo circundaba. Sin embargo, tras estas primeras reacciones cesó la escritura de su obra por algunos años.

En Música para camaleones, anunciaría la reescritura y continuación de su novela, pues revisando sus escritos había tenido una revelación. Se dio cuenta de que no había utilizado todas sus capacidades como escritor en lo anteriormente publicado, simplemente le parecía insuficiente. Ahora proyectaba para esta novela utilizar todas las técnicas aprendidas como escritor, evolucionar hasta los más altos niveles y crear algo novedoso. Continuó hablando de sus avances los siguientes años con su editor y amigos, hasta su muerte, momento en que acorde a los diferentes intereses, se buscaron exhaustivamente los capítulos escritos. Nada fue encontrado. A pesar de que Capote solía guardar todos sus manuscritos, no se encontraron indicios de que éstos hubieran existido alguna vez.

Capote decía ser un genio. En sus publicaciones se revela un gran talento y una magnífica técnica además de una evolución estilística. Pero no estaba satisfecho, creía poder hacer más, un proyecto tan ambicioso que le llevaría cerca de quince años no concretarlo. No se sabe lo que ocurrió. Si después de la publicación de A sangre fría, cuya escritura lo afectó anímicamente, el repudio de antiguos amigos por las revelaciones publicadas y otros factores personales, pudieron frenar su inspiración, o que en efecto escribió una obra magnífica, tal y como él la vislumbraba y por razones desconocidas decidió destruirla sin que nadie lo supiese nunca. Existe una tercera opción,  a la que probablemente ningún escritor quisiera enfrentarse, tal vez sus ambiciones fueron más grandes que la capacidad para escribir la obra que imaginaba y la frustración le hizo abandonar su elaboración.

Truman Capote-Especial
Truman Capote-Especial

Quizá el talento verdadero tiene en efecto un límite y peligrosamente, cada creador que inquiera en el suyo podría caer en la frustración o el desengaño, pero no hacerlo, no indagar  sería más perjudicial, significaría el estancamiento del talento y el estilo, y la comodidad de la autocomplacencia. Llegar hasta donde se pueda considerar aceptable, pero jamás arriesgarse por temor a no hallar lo deseado. Desde luego, esto rebasa por completo el primer caso, aquél de mantenerse siempre a raya y jamás sumergirse en la realidad que suele rebasar siempre a los sueños. Creerse un creador sin haber creado nada, dejará un vacío más lamentable que el  intentarlo hasta los propios límites, donde algunos evolucionarán y seguirán adelante, y otros, al conocerlos, buscarán otros caminos. Tal como lo dijo Capote:  “When God hands you a gift, he also hands you a whip; and the whip is intended for self-flagellation solely.” (Cuando Dios te da un don, también te entrega un látigo, y el látigo es únicamente para auto flagelarse).

Puebla y el arte urbano

Anciana-Puebla-Ciudad-Mural
Anciana-Puebla-Ciudad-Mural

por Mathieu Branger

Se puede admirar desde hace unos meses arte en las calles de Puebla, sin embargo el arte de la calle poco se parece a las esculturas monumentales de este verano.Existe pues otra manera de entender el arte con formas mucho más propositivas, y con mucho más fuerza.

El programa Puebla ciudad mural, encabezado por el Colectivo Tomate es uno de esos ejemplos. Sus integrantes lo definen como “un proyecto social-artístico comunitario que busca la redignificación y el rescate de espacios urbanos, al tiempo que se regeneran comunidades a través de procesos sociales”. Desde 2009, en diálogo con los habitantes existe un programa de valoración y preparación de las fachadas para permitir la intervención de artistas invitados, que van creando hasta la fecha grandes murales coloridos. El éxito de esta iniciativa se ve hoy en el barrio de Xanenetla, Puebla, donde las casas ya están cubiertas por grandes pinturas que hablan de los habitantes, de la historia, de una identidad. Las fotos lo muestran, el cambio es radical, y para los integrantes del colectivo ya se inició una nueva dinámica: “tiene consecuencias positivas en su autoestima y el descubrimiento de talentos, mientras que los jóvenes han podido utilizar sus aptitudes artísticas de una forma constructiva, y no destructiva”.

Sí, gracias al Colectivo Tomate las paredes hablan, la ciudad esta invadida por otro tipo de expresión que no necesariamente queremos escuchar. Caminado por el centro cada quien ha tenido la suerte de encontrarse con obras ejecutadas con las técnicas del stencil o del graffiti que interpelan por su contenido contestatario. No se trata de la falsa poesía de los grupos de Acción Poética, mas bien se quiere hablar del street art en Puebla.

Especial
Especial

Nace en los años 60 en de las protestas populares, pasa por el Punk y la cultura Hip Hop para ser hoy parte de nuestra cultura urbana, revindicada pero no siempre aceptada. Se asocia el street art a la protesta, a la denuncia y a grupos culturales subalternos. Es una expresión que se quiere libre y efímera, en contra de todas las normas de la actual institución cultural, aunque las recientes exposiciones internacionales propician su recuperación mercantil. Desde hace poco existe una pagina Facebook, Street art Puebla, que recopila las obras actuales, antes de su legitima desaparición. Se ven creaciones ya bien conocidas, en el centro de la ciudad, algunas de las que están todavía pegadas en las paredes de la calle 4 norte, y algunas mas escondidas. Existen mucho más para fotografiar y difundir.

http://colectivotomate.com/index.php/ciudad-mural

http://colectivotomate.com/index.php/ciudad-mural/puebla/xanenetla/murales-xanenetla

https://www.facebook.com/pages/Street-Art-Puebla/183157598520318?ref=ts&fref=ts

Todo de Cabeza/ Javier Marín en Santo Domingo

Especial
Especial

por Mathieu Branger

En este verano, los poblanos tienen la oportunidad de acercarse al arte y a la cultura, sin ni siquiera tener que ir al museo o a una galería. Están las escultura de Federico Silva en tres de las esquinas del Zócalo, están también las obras de Javier Marín en la plaza de Santo Domingo.

Esas grandes cabezas ya han viajado por todas partes y han visto todo tipo de paisajes, en China, en Estados Unidos, toda Europa, en la Ciudad de México o en Campeche. Aterrizaron hace unas semanas en la plaza Santo Domingo, a un lado de la avenida 5 de Mayo, en el mero centro histórico.

¿Qué son esas grandes cabezas?

Una firma, el estilo inmediatamente reconocible del escultor, su valor mercantil y una buena publicidad para la ciudad. Así, Puebla pertenece al club de las ciudades culturales, sin embargo, en el día a día sabemos que las situación de las instituciones no es del todo satisfactorio, que no hay comunicación por parte del Estado sobre sus grandes proyectos, no hay concertación…

Son también una manera de invadir el espacio público para generar otra experiencia estética. Las monumentales cabezas de bronce de Javier Marín, pesadas, imponentes, suscitan la curiosidad, el publico se acerca para ver cómo están hechas, lo que esta adentro, tocar las, jugar, esconderse, tomarse fotos, mirar en los huecos. Uno de los méritos de la presente muestra es esa posible apropiación: el arte en el espacio publico se volvió cosa de todos.

CABEZA-Especial
CABEZA-Especial

Son por fin un dialogo de formas históricas, las de Santo Domingo, de los retablos barrocos, de la capilla del Rosario, con lo contemporáneo. El arte de Javier Marín es contemporáneo, sin duda. Lo podríamos comparar a un trabajo hiperrealista, por la dimensión desmesurada y el detalle de sus esculturas. Arte para el presente, esas obras portan con ellas el peso de la historia, del arte desde el renacimiento, con sus pasiones y sufrimientos.

Hasta el 7 de julio se puede tener otro acercamiento a un espacio cotidiano, y una experiencia artística que busca transformar nuestra percepción.

El Salon de la fama/ Vicente Rojo

Vicente Rojo-Especial
Vicente Rojo-Especial

por Mathieu Branger

Vicente Rojo estuvo en Puebla con su Rotunda de los artistas ilustres. Todo el mes de junio la galería La Miscelánea de la escuela Unarte presento la exposición “el Salón de la fama”, de Vicente Rojo, homenaje a grandes artistas y guiño del artista a su propia obra.

Rojo es uno de los artistas vivos mas conocido hoy en México, por su aporte a la gráfica nacional, al diseño y al arte en general, siendo uno de los último representantes de la generación de la Ruptura.

En este caso, el artista de 81 años, y más de 60 de creación, vuelve sobre su historia, mezclándola con el arte moderno y contemporáneo. Las obras que conforman el salón de fama combinan figuras y materiales, para rendir homenaje, imitando pero no copiando un estilo, una práctica, y revelando las inspiraciones, de las más lejanas a las más actuales que influyen en la obra de Vicente Rojo.

Vicente Rojo-Especial 2
Vicente Rojo-Especial 2

El artista recrea en un solo cuadro todo un universo, sintetiza un pensamiento en un gran collage de madera, que nos habla pues de lo que es una obra, y de un legado. Se reúnen figuras de la ciencia ficción y del misterio, del cine y de la magia, Jules Vernes, con pequeños barcos de plomo, Aghata Christie o Georges Melies, pero también iconos del arte contemporáneo.  Sin distinción, y como acercándose a la intimidad del artista, están aquí presentes el arte abstracto de Rothko, el geometrismo de Paul Klee, el arte de Jean Dubuffet y sus figuras de colores, las instalaciones, y recortes, la literatura de Carlos Pellicer o Italo Calvino, instalaciones e el arte conceptual, acumulaciones con Joseph Cornell o Louise Nevelson. Todo bajo la mirada del artista, en una lectura univoca, y distanciada, un poco fría, pero sin embargo muy atractiva. Es experimentar uno de los temas principales e la historia del arte, las influencias y las reinterpretaciones.

Miriam Medrez/ Cuerpo Ausencia Hilvanando identidades

Especial
Especial

por Mathieu Branger

La Capilla del Arte continua su exploración de la creación contemporánea con la presentación del trabajo de la artista mexicana Miriam Medrez. La exposición Cuerpo ausencia, hilvanando identidades muestra el trabajo mas reciente de la artista de Monterrey, sobre el tema de la identidad y de la feminidad con maniquís y vestidos de telas intervenidos con diversos materiales y varios textos bordados.

La Capilla del Arte, ubicada en la parte alta del antiguo edificio de las Fabricas de Francia, en la calle 2 norte, es el espacio cultural de la UDLAP, y tiene como vocación vincular el arte, en todas sus modalidades con la comunidad, trayendo a Puebla proyectos novedosos, ambiciones y de gran alcance.

En esta ocasión, se trata de Miriam Medrez artista bien conocida del mundo del arte, con una larga trayectoria, que radica en la ciudad de Monterrey, donde produce la mayor parte de sus obras. Desde los años ochenta empezó a trabajar formas orgánicas, inspiradas en lo vegetal ,o en lo animal, para dar vida a grandes esculturas, que integran también en su mayoría figuras humanas. Medrez es una artista polifacética, muy reconocida pero discreta, que traza su propio camino, sin dejar de pensar el arte como una experiencia que incluye al espectador, lo involucra.

La exposición de la Capilla es importante porque nos muestra una nueva linea en el trabajo de la artista, con esculturas ya no de barro sino de tela y de bordados. La tela es un material femenino, frágil, que sirve en este caso como punto de partida para presentar el cuerpo de una mujer, Miriam Medrez, y proyectar estados, realidades o fantasías, pero siempre de manera directa.

Miriam Medrez
Miriam Medrez

En los maniquís de tamaño natural, existe un tensión entre un mundo interior y la realidad social, entre cuerpos reconocibles y elementos que brotan, que saltan a la vista y son expresiones de la subjetividad de una mujer o expresiones sociales, sin eludir el dolor, el sexo, el cansancio del cuerpo. Se profundiza todavía mas esa relación con la serie de vestidos invertidos, en los cuales quedan solamente vestidos vaciados de cuerpo. El espectador se encuentra, al igual que en una exposición de moda con grandes envolturas tejidas, pero si se acerca se tiene que afrontarse con imágenes bordadas de mujeres desnudas expuestas en su intimidad.

Es más que un trabajo de creación de objetos artísticos, es la reconstrucción de un imaginario, a través del vestido. Los maniquís de tamaño real, con o sin cuerpos, desnudos o descarnados, nos interpelan, de manera no tan ingenua, para saber que seria “ser mujer” y nos dejan sin embargo sin respuesta.

Luanda, encyclopedic city

Luanda, encyclopedic city 1-Especial

por Mathieu Branger

La edición número cincuenta y tres de la bienal de Venecia entregó su león de oro de la participación nacional al pabellón de Angola creando para los comentaristas una gran sorpresa. La noticia sorprende todavía más si se considera que es la primera participación de Angola en las representaciones nacionales, y que hasta ahora, este tipo de muestra tiende a premiar en su mayoría artistas europeos o estadounidenses. De inmediato la prensa denunció el trasfondo económico de lo que no sería más que un acuerdo diplomático. Angola es un país pobre, pero tiene importantes reservas de petróleo. Italia es un país rico pero en plena crisis. Las dos economías encontraron al parecer un terreno de acuerdo, este premio es su primera manifestación.

Sin embargo y dejando de lado a los cínicos, asistimos en esos últimos años al emergencia de una nueva escena artística, con artistas africanos, que producen desde África un arte actual, que puede dialogar con cualquier tipo de propuesta en las grandes muestras internacionales.

El proyecto presentado en la bienal de arte de Venecia, Luanda, enciclopedic city, muestra la imposibilidad de encerrar en un solo lugar toda la riqueza y la diversidad del arte que se está gestando en Angola, tal que lo pretende un pabellón nacional en Venecia. El artista invitado Edson Chagas y los curadores de Beyond Entropy han elegido presentar 23 fotografías de grandes formatos, 23 maneras para el espectador de experimentar la ciudad de Luanda. Según Chagas, las imágenes investigan distintas formas urbanas, cuando el paseante imagina las relaciones entre objetos abandonados y el lugar donde se encuentran, tal que se ve en la fotografías. El equipo angoleño se aprovecha del lugar, el palazzo Cini para iniciar una reflexión alimentada por el espectador, sobre la construcción del conocimiento del espacio habitado, su catalogación y su identificación, en dialogo con la colección histórica resguardada en este recinto.

Luanda, encyclopedic city 2-Especial
Luanda, encyclopedic city 2-Especial

Recordamos que Angola es un país que salió en 2002 de treinta años de guerra civil, es un país destrozado que empieza apenas a reconstruirse. En este sentido, el premio de la bienal de Venecia este año puede interpretarse también como el reconocimiento del peso del arte y de la cultura en la conformación de experiencias colectivas y relaciones sociales. Frente a la violencia, al caos que representa Luanda, Edsons Chagas plantea una posible alternativa, con una mirada atenta y detenida. Luanda, encyclopedic city nos permite valorar nuestra propia experiencia del espacio habitado, en contextos de violencia, de inseguridad y de desorganización, a través de un mapeo imaginario e intimo.

Martí Perán: Esto no es arte

Eso no es un museo -Imagen Pública
Eso no es un museo -Imagen Pública

por Mathieu Branger

El pasado lunes 20 de mayo, el teórico y curador Martí Perán presentó su trayectoria en los museos y centros de arte, y habló de sus proyectos más recientes.

La fundación Arquetopia invito, en los salones del Edificio Carolino de la BUAP, a un encuentro informal, más bien una charla, con el curador catalán, quien concibió la muestra Eso no es un museo, actualmente en el Centro Cultural de España en la Ciudad de México. Arquetopia es un grupo presente en Puebla y Oaxaca cuyos objetivos son, a través del arte, apoyar al desarrollo humano y a la transformación social, una visión compartida por el ponente de este lunes.

Martí Perán, profesor titular de teoría del arte en la Universidad de Barcelona, es uno de los curados españoles quien en esos últimos años dio nuevas perspectivas a la curaduría contemporánea. Como él mismo lo recuerda en su ponencia, uno de los proyectos más importante en este sentido es Post-it cities [http://www.ciutatsocasionals.net/], exposición generada a partir de una reflexión multidisciplinaria sobre los espacios intersticiales en varias ciudades del mundo, presentado en el Centro de Cultura de la Ciudad de Barcelona CCCB, entre septiembre 2011 y febrero 2012.

Se concibió desde el inicio como un registro de un material efímero, escondido, para observar cómo se ocupa el espacio social, de manera informal, para el juego, la diversión, todo tipo de negocios, de la venta de artesanía a la prostitución, en distintos lugares del mundo. El enfoque es, como lo subraya el curador, “posdisciplinario”, es decir que se buscó ir más allá de las límites propias de cada disciplina para olvidar las lógicas de campo que las constituyen.

Observar lo contemporáneo en sus puntos de quiebre es la preocupación que también motiva dos otros proyectos sobre la ciudad y el paisaje, en continuidad con la propuesta anterior, After architecture, y Living Landscape, propuestas deliberadamente provocativas, punto de inicio del debate por parte del público.

Martí Perán en los ejemplos que enseñó a la asistencia este lunes pone en práctica cierta idea de la curaduría, entendida como metodología. Es entonces una de las maneras de ser contemporáneo, es decir, citando al filosofo Giorgio Agmaben, de ver la heridas de nuestro tiempo, y desvelar sus fracturas, en una perspectiva atemporal. Es también una manera de tomar partido en lo que el curador llamó en esta ocasión “una guerra de valores”, una forma para definir nuevas actitudes y normas sociales.

En México se presenta actualmente y hasta el 30 de junio, en el Centro Cultural Español la exposición Esto no es un museo, un proyecto ambicioso, casi una antropología del museo móvil. El curador Martí Perán aplica su método para la documentación y el registro de formas alternativas de concebir el museo, archivos, bibliotecas, efímeros y móviles, sacando a la luz, esta vez, 17 ejemplos mexicanos.

Eso no es un museo 2 -Imagen Pública
Eso no es un museo 2 -Imagen Pública

www.martiperan.net

http://ccemx.org

http://www.arquetopia.org